Rodolfo Fuentes. Fotógrafo

William Klein sobre William Klein

2012-02-13T14:39:00.000-08:00

"Preparados, apuntar, disparar. A propósito. Por casualidad. Disparar. El riesgo. No es pintar: componer, añadir, sustraer, cambiar. Pero sólo un golpe. Todo o nada. Bang, estás muerto. O vivo. No dejes nunca de reflexionar. Es asombrosamente raro uno que logra estar 15 segundos sin pensar en sí mismo. Constante. Normal. Absorto en hacer fotografías: tu reflejo en una muchedumbre. En uno ojo de plata. Reflejo. Reflexión. Clic. Te viene de la cabeza. La suma de lo que ves, crees ver, recuerdos, proyectos. Asesinar la vida. Todos los capullos de rosa se abren, es como apretar el gatillo. Indicios. Jeroglíficos. Llaves. Calculadoras de bolsillo, cada pulsador con su bip, su circuito. Raíz cuadrada instantánea, memoria. Dejà vu. Jamais vu. Revu. Posvisión. Previsión. Japoneses a carretadas hacen fotografías del palacio. Prueba. Celebración. Han estado aquí. Están vivos. Fotografían, luego existen. Vine, vi, triunfé. Veni, vidi, vici = fotografiar. Instinto de reproducción. Reproduce un mundo. Tu mundo. Su signo sobre ti. Deja tu signo. Quieto. No te muevas. Muévete. Sé natural. Una mirada, un gesto y un icono. Un microcosmos. Cada fotografía. Una célula. Suelta, dispara. Disparado, alcanzado. Caza. Cazado. De caza. De crucero. En desarrollo. Flashback. Disparo en francés = coup. Relámpago, rayo = foudre. Coup de foudre = flechazo. Lo sabes. Todo de una vez. Un hombre que se ahoga vuelve a ver toda su vida. Imagen. Imagina. Hacer fotografías = buscar el coup de foudre. ¿Cuántas veces puede alcanzar el rayo?". (William Klein según William Klein)

Texto atribuído al fotógrafo nacido en EEUU, William Klein (1928). Está en varios blogs españoles pero no he podido encontrar su origen. De todas maneras, la acumulación de conceptos tiene que ver con lo que está sucediendo hoy día con la imagen, con la avalancha de imágenes donde nos sumergimos todos los días.

Foto: William Klein, Minigang, Amsterdam Avenue, New York, 1954

¿La muerte del "fotoperiodismo" profesional?

2012-02-13T13:18:00.000-08:00

La proliferación de dispositivos capaces de captar imágenes están cambiando el concepto de "registro de la realidad" que pautaba el trabajo de los fotoperiodistas y a través de ellos, de los medios de difusión.
La noción de que este espacio, hasta hace no mucho tiempo vedado a los aficionados, es tomado por asalto por estos y sus pequeñas cámaras, sus celulares y hasta sus palm, se hace cada vez más evidente. La figura del "fotoperiodista" con su chaleco con muchos bolsillos y sus grandes teleobjetivos está dejando paso a...cualquier persona con cualquier dispositivo digital...
"la nitidez es un concepto burgues" decía Henri Cartier Bresson, que defendía la espontaneidad y el momento justo por sobre las virtudes técnicas de la imagen conseguida, en la misma línea que propulsara William Klein.
Lo mismo sucede con las bizantinas discusiones sobre las cualidades técnicas de tal o cual equipo, cuando la finalidad de dicho equipo (salvo en las contadísimas instancias en que si son necesarias esas cualidades) es de mera exhibición.
Los nuevos tiempos ven y verán muchas, infinitas cantidades de imagenes de la peor calaña, junto a algunas de impresionante manejo conceptual, de extraordinaria nitidez gramatico visual. Y alli se terminan las enseñanzas y las recetas del fotoperiodismo tradicional, porque lo que importa es lo que contiene esa imagen y no como fue hecha, robada o casualmente tomada.

Algunos links sobre esto: ARTICULO EN LA DIARIA

¿Por qué la fotografía es un concepto burgués en la fotografía callejera?

Foto Dance in Brooklin, William Klein

Exposición de fotografía en La Paloma. Trabajos de los alumnos del curso de fotografía digital 2011.

2012-02-07T18:52:00.001-08:00

El próximo domingo 12 a las 19hs,
se abre la muestra de fotografías de los alumnos
del Curso de Extensión (Fotografía Digital)
del Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes,
que le llevó a cabo entre setiembre y octubre de 2011.

En el Centro Cultural de La Paloma (Rocha).

La muestra estará abierta desde el 12 hasta el 21 de febrero.

Un cazador solitario. Rafael Sanz Lobato, fotógrafo español

2012-02-04T09:12:00.000-08:00

Viernes Santo en Bercianos de Aliste, Zamora, España, 1971.

Historias de un fotógrafo español, considerado su maestro por Cristina García Rodero e ignorado por muchos de sus colegas.

Un interesante reportaje en El Pais de Madrid. AQUI

AQUI, una impresionante fotogalería de Sans Lobato

El mundo es cuadrado. Catálogo para descargar.

2012-02-03T17:24:00.000-08:00

Una historia sobre la pasión de fotografiar y unos cuantos retratos digitales de gente conocida y no tanto.

El catálogo de esta exposición nunca realizada, lo pueden descargar AQUI.

Para verlo necesitan descargar (si no lo tienen) el Acrobat Reader AQUI

Fierros.

2012-02-01T06:54:00.000-08:00

A raíz del comentario de un amigo sobre una cámara que le vendí, me puse a hacer (mentalmente) la lista de los equipos que he tenido a lo largo de mas de 40 años haciendo fotografía. La enorme biblioteca de internet, me proporcionó imágenes hasta de la más insólita, mi primera cámara. Los equipos son indivisibles del fotógrafo, pero no hacen nada por si solos, son apenas una extensión de la sensibilidad y el conocimiento de quien los usa. Aquí está la mayoría de los que he usado y uso.

Camara Pari-Fex de plástico, formato 4 x 4 cm, de origen ruso.(la usé allá por 1969 o 70)

Cámara Voigtlander Vitoret, 35mm (1973,74)

Cámara Zorky4, una especie de copia de la Leica, de origen ruso e insospechada calidad. (1973, 75)

Yashica 635, formato 6x6, increible calidad de imagen.

Miranda Sensomat RE, mi primera reflex, mi primer equipo con varios lentes. Se la vendí a mi amigo Walter Santiago Antuña, para comprarme mi flauta traversa y su recuerdo fue el disparador de este post.

Nikkormat ftn, 35mm, mi primera Nikon, venía con un lente de 300 mm que se había comprado su dueño anterior, Carlitos Irigoyen para fotografiar carreras de Formula 1 y que todavía tengo.
Fotos como la de Luca Prodan en Montevideo Rock fueron hechas con ese lente.

La Nikon F, 35mm, un equipo completo con 8 objetivos, algunos de los cuáles aún uso con la cámara digital. Entre ellos un maravilloso Micro Nikkor de 55 mm.

La Graflex 6x9, imprescindible para hacer placas de publicidad para los cines, a fines de la década del 70. Se la presté a un amigo y nunca me la devolvió...

Mamiya C3, (formato 6x6) impresionante calidad óptica, muchas carátulas de disco fueron fotografiadas con este equipo

Mamiya RB67, (formato 6x7) no era mía pero la usé muchas veces, también para fotos de carátulas de disco. (Gracias Jorge Roby)

Mamiya C330 (formato 6x6),un equipo completo con tres objetivos, de una calidad óptica que nada tenía que envidiarle a los famosos Hasselblad.

La Nikon F2, "la cámara". Todavía la tengo y es un placer sentir su peso en las manos.

La Cambo 4x5, un equipo de estudio sencillo pero que me dio muchas satisfacciones. Fue el equipo que utilicé para hacer fotos de gran formato en la Isla de Flores, en 1992.

El equipo Mamiya 645, una maravilla de medio formato, con 7 objetivos de gran calidad.

La Leica M3, la mejor cámara que he tenido y usado, con su lente normal y un increible 21mm. La vida hizo que se transformara en pañales y mamaderas...

Graflex 4x5, igual a la que usaba Wegee, está pronta para salir a hacer fotos.

Yashica Mat 124, 6x6

Lomo de 8 lentes, una rareza que me regaló mi amigo Gonzalo Frasca.

Olympus Camedia 490, mi primera digital

Nikon D80, equipo actual

La Canon G10, mi constante compañera.

Continuará...

Las fotografías de Karl Blossfeldt's. 1928

2012-01-28T13:58:00.000-08:00

Karl Blossfeldt (1865 – 1932) Fotógrafo alemán conocido por sus fotografías de formas vegetales y miembro de la llamada Nueva objetividad (Neue Sachlichkeit).

Sus estudios de plantas son un clásico de la fotografía de estudio y han sido utilizadas como modelos para estudios plásticos y gráficos durante muchos años. También han sido copiadas y plagiadas muchas veces. Incluso aqui, en Uruguay.

En este LINK, mucha info y muchas fotos.

En la bañera de Hitler. Lee Miller y la fotografía.

2012-01-27T06:16:00.000-08:00

Interesante nota sobre este personaje, fotógrafa, musa pero fundamentalmente, espíritu libre.

AQUI

La fotografía de la naturaleza y la naturaleza de la fotografía.

2012-01-26T06:19:00.000-08:00

En estos tiempos digitales, la gente mira miles de imagenes y les llama fotografías, pasan por sus pantallas, se alojan en sus discos duros o giran infinitamente por nubes informáticas.
No todo es asi. Lo que Ansel Adams hacía eran fotografías en el sentido más preciso de la palabra. Bellas imágenes impresas como los dioses en bellos papeles fotográficos. Bellos e inspiradores objetos para contemplar durante horas.
Siempre digo que a pesar de haber visto muchas fotos, nunca había visto realmente una foto hasta que estuve frente a una copia de Moonrise, Hernández hecha por el propio Ansel Adams. (Gracias Mane Gurméndez por recordármelo)

Ansel Adams, Moonrise, Hernandez, New Mexico, 1941.

AQUI, un tributo al trabajo de Ansel Adams en Nat Geo (Gracias Juan Rivas)

Libros Fotográficos Latinoamericanos: No somos latinos!!

2012-01-13T09:53:00.000-08:00

Se ha presentado (en España), un importante libro del estudioso (español) Horacio Fernández, sobre los libros fotográficos latinoamericanos.
Como era de esperar, en el, no hay ni un libro uruguayo...
La tendencia actual de valorizar el libro fotográfico como la mejor herramienta de conocimiento de la fotografía, aqui es soberbia y tontamente ignorada, declarando desierto el único concurso que permite a los fotógrafos uruguayos tener por lo menos, su "librito".

Aqui pueden ver una entrevista a Horacio Fernández

Aqui, una reseña del libro

Aqui, pueden descargar mi libro Enruta, participante de ese concurso declarado desierto.

Enruta, un libro fotográfico virtual de Rodolfo Fuentes

2012-01-07T17:54:00.000-08:00

Para bajar en formato PDF desde ESTE LINK

Para visualizarlo, hace falta el Adobe Acrobat Reader, que se puede bajar AQUI

Este libro participó del concurso anual de libros de autor del Centro Municipal de Fotografía de Montevideo. El concurso fue declarado desierto.

Creer en la propia visión...

2012-01-07T03:43:00.000-08:00

Angel Blue, 1984 © Henry Holmes Smith

"En nuestro mundo complicado y difícil deberíamos tener cautela con el mensaje fácil, ya que lo evidente será lo bastante difícil de creer. Desde mi punto de vista, lo que Stieglitz nos legó para uso nuestro no fue ni su estilo ni sus imágenes, aunque ambas cosas son inspiradoras. Más bien fue una tradición de fe en nuestra propia visión, fuese cual fuese, y el deseo de utilizarla con la pasión por la verdad más fuerte que poseamos.

Si mantenemos la fe en nuestra visión podremos proteger las antiguas tradiciones fotográficas contra ataques insensatos, al igual que podremos velar para que las imágenes y estilos de los artistas más jóvenes no sean destruidas impunemente."

Henry Holmes Smith (1909-1986)

So long Eve Arnold....

2012-01-05T06:20:00.001-08:00

Eve Arnold, fotógrafa excepcional, falleció a los 99 años de edad. Es muy conocida por sus fotos de Marilyn Monroe y otros actores de Hollywood, era miembro de la agencia Magnum.

Mas imágenes y datos AQUI

Sembrando en el desierto.

2011-12-14T16:58:00.000-08:00

Como todos los años, el Centro Municipal de Fotografía llamó a concurso para la edición de libros fotográficos de autor. Uno para autores uruguayos y otro para latinoamericanos.
En esta ocasión el jurado, integrado por los señores Panta Astiazarán, Federico Rubio y Alejandro Schmidt, decidió declarar el concurso desierto para autores nacionales, es decir, ninguno de los trabajos presentados a criterio del jurado merecía ser elegido para su edición.
VER COMUNICADO DEL CMDF AQUI

Una decisión totalmente ajustada a derecho ya que entra dentro de las posibilidades en un concurso. De todas maneras, declarar desierto un concurso, es al mismo tiempo un recurso legítimo, aunque muy duro, muy extremo y que lamentablemente corta una serie de ediciones de muy buena calidad y de inusual presencia en nuestro medio. Esto es más grave, cuando al mismo tiempo, se eligen para imprimir libros de autores que provienen de países donde hay fuertes organismos de apoyo a la fotografía, como Brasil o México o mismo Argentina y donde ningun uruguayo va a ser invitado a publicar sus libros fotográficos. Otra cosa sería si hubiera algun tipo de apoyo a fotógrafos de países que es sabido difícilmente podrán financiar sus libros.

Este año presenté un libro de fotografías llamado "Enruta" a ese concurso (del cual por otra parte fui jurado el año anterior, 2011).

Ya que mi trabajo no fue considerado lo suficientemente bueno como para ser editado, y figurar en esa prestigiosa colección, lo pongo a disposición de todos en la web.

DESCARGAR PDF AQUI:
Rodolfo Fuentes "Enruta"

La foto de arriba, no pertenece al libro, aunque si al espíritu del post y a la serie que el libro reune. Terminal de omnibus de La Paloma © 2011 Rodolfo Fuentes

Michael Cooper, fotógrafo

2011-12-05T16:01:00.000-08:00

Dos imágenes, un mismo estudio, en King Roads, Londres, 1967. La primera, el armado de la toma del Sgt. Peppers, la segunda, el set para " their satanic majesties request" de los Rolling Stones. El fotógrafo fue el mismo para ambos discos icónicos: Michael Cooper.

Keith Richards escribe un bello recuerdo de este personaje del swinging London.

Mas fotos de las sesiones de los Rolling Stones, aqui.

Stanley Kubrick II. Chicago en 1949

2011-11-30T09:41:00.000-08:00

Un fotógrafo de 21 años dando lecciones de eso que ahora llaman fotoperiodismo. Notar que lo que se muestra son contactos directos de las tomas que hiciera Kubrick. Muchas de ellas en difíciles situaciones de iluminación y situación. La fotografía periodística no son solo retratos hechos con un granangular y con la gente moviendo las manos. Hay mucho más para decir con la fotografía.

AQUI LA INFORMACIÓN Y LAS FOTOS.

Stanley Kubrick, maravilloso fotógrafo, mejor director de cine...

2011-11-30T09:31:00.000-08:00

"New York, 1940, serie de fotografías tomada por Kubrick (que tenía por entonces menos de 20 años)
Mas información en este blog.

Los caminos del arte son infinitos

2011-11-26T11:01:00.000-08:00

"¡La fotografía es pintar con luz! Las manchas, los puntos... ¡eso son errores! Sin embargo, los errores son parte de la foto, le dan su poesía y la convierten en una pintura. ¡Y para eso se necesita una cámara tan mala como sea posible! Si quieres ser famoso, tienes que hacer lo que haces peor que cualquier otra persona en el mundo entero.". Miroslav Tishý (1926-2011)

Lugares comunes / Common Grounds

2011-11-22T06:34:00.000-08:00

Hay imágenes que aparecen una y otra vez en diarios y revistas, muchas veces ganan premios por su impacto, pero en el fondo son solamente repeticiones de otras publicadas anteriormente.
Se puede invocar el "Zeigeist", la posibilidad de que se fotografía lo mismo sin tener conocimiento de lo anterior, es un argumento que también se utiiza en la música, cuando dos melodías suenan demasiado parecidas. También sucede que uno cuando mira, se apropia de lo mirado, lo incorpora a su conocimiento y en ocasiones, aquello que nos sensibilizó de alguna manera vuelve a a suceder, esta vez frente a nuestros ojos, a nuestra cámara...
Algo muy distinto es cuando deliberadamente se hace otra vez, lo ya hecho...

Aqui se pueden ver algunas de ellas

La importancia del instante.

2011-11-17T06:23:00.000-08:00

“Es un destello, un destello momentáneo, dura sólo un instante. Y eso es lo que me interesa”. Walter Benjamin, acerca de la fotografía.

De actualidad...

2011-11-10T04:15:00.000-08:00

“El hecho es que relativamente poco fotógrafos llegan a dominar sus medios. En vez de ello, los medios les dominan a ellos y se introducen en el círculo vicioso de nuevo objetivo a nuevo papel a nuevo revelador a nuevo “gadget”, nunca quedándose con una pieza de equipo el tiempo suficiente para dominar todas sus posibilidades, perdiéndose en una gran cantidad de información técnica, que es de poca o ninguna utilidad, ya que no saben que hacer con ella.” Edward Weston, 1927 (Gracias Alvaro Gonzalez Novoa)

Foto: Edward Weston, Pepper (1930, seguramente usaba el mismo equipo que cuando escribió esto)

La luz del gris

2011-11-09T02:45:00.000-08:00

La razón de ser de la fotografía es saber de la luz. Y del tiempo... el resto, son formas, afectos, recuerdos, vivencias. que bajo la luz que sea y durante una brevísima fracción de la existencia, conforman algo nuevo, que no existía hasta ese momento y que existe por ese momento.RF

Caminos de la fotografía

2011-10-26T13:03:00.000-07:00

Color Light Abstraction 1071, © 1960, Wynn Bullock

“Puedes desarrollar tu sentido de realidades diferentes, pero no puedes desarrollar tu existencia, de modo que llegas a principios que están en armonía con tu sistema nervioso y con tu experiencia.
Creo que ésa es la dirección que la fotografía deberá tomar, porque el mundo externo ha sido fotografiado hasta que es simplemente repetido y repetido y repetido.
La realidad puede cambiar. Si uno desarrolla sus poderes, puede desarrollar sus realidades para expresar simbólicamente las cosas.”

Wynn Bullock, 1975

Sobre la experiencia

2011-10-23T07:44:00.001-07:00

© Rodolfo Fuentes 2011

“Una persona puede experimentar las cosas por lo que son y puede profundizar lo suficiente en lo que está detrás de toda forma. Cuando lo encuentra, desde luego, encuentra a su Creador. Puede llamarlo sagrado, puede llamarlo experiencia, lo que sea. La experiencia última de algo es la comprensión de lo que hay detrás de ello.” Minor White

El ojo y el otro ojo

2011-10-11T15:59:00.000-07:00

Si el ojo es una suerte de cámara, ésta es inversamente una suerte de ojo y es irrazonable negarle participación en tareas estéticas. La cámara ve un poco más que el hombre que la maneja, detrás de una unción estética hay siempre una función documental. Quién abomina de la máquina debería también abominar del cuerpo del hombre”.

Jorge Luis Borges

Tras los pasos de Talbot...

2011-09-29T12:10:00.000-07:00

Los papeles fotográficos Talbot y la fotografía uruguaya.Cuando empecé a hacer fotografía, a mediados de los 70, antes que una buena cámara, tuve un laboratorio. Allí comenzó mi relación con los papeles fotográficos. Y más precisamente, con los papeles fotográficos Talbot, que venían en unas cajitas y sobres marrones, con una etiqueta con un atractivo y geométrico logo.Por entonces no tenía ni idea que los materiales que utilizaba se fabricaban en Uruguay, lo normal era que esas cosas fueran importadas.Así, consumí cientos de hojas de papel brillante (abrillantado con un dispositivo que ya quedó en la prehistoria), papel mate y el famoso papel “seda” con una textura característica.Más adelante, comenzaron a aparecer los papeles de base plástica, los RC. Con ellos hice mi primera exposición en Montevideo y a través de ésta conocí a Mario Batista (cuyas copias magistrales en estos papeles siempre me han sorprendido) y Gustavo Castagnello. También a Marcelo Isarrualde.Sin llegar a formar nunca un “grupo” formal, como lo era por entonces el “936”, comenzamos a compartir algunas ideas y a intercambiar conocimientos. Traído por Marcelo, apareció Alvaro Zinno y luego se sumó Roberto Fernández.Estoy casi seguro que fue una idea de Mario la de hacer un calendario fotográfico. Era 1987 y le planteamos la idea a Carlos Barral, el gerente de Talbot, una persona a quién la fotografía uruguaya le debe muchísimo, alguien que siempre apoyó incondicionalmente la actividad.La idea prendió y se decidió hacer un calendario para 1988, en doble tiraje, una cantidad con el logo de Talbot y otra sin el, para uso del grupo. El calendario tendría una foto de cada integrante del grupo, o sea una foto cada dos meses. Además una hoja final con breves curriculums de los participantes. Al mismo tiempo, emprendimos la tarea de participar con nuestras fotografías en la Feria de Libros y Grabados. Allí vendíamos el calendario, postales impresas para la ocasión, fotos originales y otros inventos que se nos fueron ocurriendo.El calendario fue muy bien recibido, tanto que al año siguiente se repitió la experiencia, con feria en medio del viento de la Plaza Gomensoro y todo.A esto se sumó, por mi parte, el encargo por parte de Talbot de rediseñar la identidad visual de la empresa y su packaging. El diseño existente, era un trabajo de un gran diseñador uruguayo y buen amigo, Jorge Rodríguez Delucchi.Fue así como surgieron el nuevo logo y los sobres con fotos de fotógrafos uruguayos. La empresa estaba trabajando muy bien, no solamente abastecía el mercado local sino que exportaba a varios países y fabricaba bajo otras marcas incluso para el mercado norteamericano (con la marca Adorama).El tiempo, las circunstancias económicas y los cambios propios de la vida empresarial, terminaron con ese emprendimiento. Todos los integrantes del grupo de los calendarios, hemos seguido haciendo fotografía (y siendo amigos).Hasta el martes 18 de octubre, se expone en sala EspacioFoto del Foto Club Uruguayo

El que nos contempla

2011-09-16T20:16:00.001-07:00

El contemplativo no tiene que quedarse parado ni abalanzarse a conquistar. Su experiencia es permitir que pase.

Minor White

Perro black © 2011 Rodolfo Fuentes

"Es una sola vida"

2011-09-12T04:22:00.000-07:00

(Texto de Fernando Puche, fotógrafo español)

Va una voz en off y suelta: “Los buenos fotógrafos de verdad no pueden dejar de hacer fotos”. Se trata de un documental sobre Annie Leibovitz y unos segundos después de la citada frase ella misma comenta no haber separación entre su biografía personal y su trabajo fotográfico. “Es una sola vida”.

Universo privado y profesional entrelazándose en un nudo infinito que alcanza todas las facetas de su existencia. La frase funciona como premonición de lo que el propio documental muestra a continuación: que Leibovitz vive, en el sentido más literal de la palabra, apretando el botón de una cámara. La fotógrafa estadounidense no puede dejar de hacer fotos, y esto denota a una persona profundamente obsesiva, pues uno ha de ser de verdad obcecado para seguir haciendo fotos sin parar, para seguir interesado por algo después de años y años, para no cansarse de apretar el botón incluso habiéndolo hecho miles de veces. ¿Pero cuánto de obsesivo ha de ser uno para poder llegar a ciertas cotas de calidad? Aún más: ¿está directamente relacionada la excelencia con la cantidad de obra producida?

Florence Delay, perteneciente a la Academia Francesa de la Lengua, dice que todos escribimos para responder a una pregunta. Si fotografiamos intentando responder a algo (algo que generalmente nos lo preguntamos a nosotros mismos), para cerrar una herida, para comunicar o las tres cosas a la vez, las propias imágenes que creamos (no ya la cámara) son herramientas y nunca un fin en sí mismo. Hacemos fotos por una causa que a veces desconocemos y que en muchas ocasiones no hemos sabido responder ni siquiera cuando finalmente dejamos de hacerlas. Pero si el objeto de nuestra creación, las imágenes, son “sólo” un vehículo con el que mostrar algo, buscar una respuesta o sanar algún tipo de dolor interno, ¿cuál es el sentido de no poder dejar de producir imágenes? ¿Cuál sería realmente el sentido de tener que mirar continuamente al mundo a través del visor de una cámara? ¿Qué significado puede tener el vivir la casi totalidad de la existencia mirando a la realidad con el fin de convertirla en imágenes? ¿Será que no somos capaces de cerrar ciertas heridas? ¿Que no hay imágenes que den respuesta a ciertas preguntas? ¿Que hay heridas que nunca podremos cerrar?

Que hay heridas que no podemos cerrar, eso es seguro, pero también que la cantidad de imágenes nunca determina la calidad de la obra. Annie Leibovitz es una muy buena fotógrafa no porque no pueda dejar de hacer fotos, sino porque es capaz de crear imágenes únicas. Vivir continuamente mirando por el visor de una cámara no es garantía de nada, si acaso de un impulso que no somos capaces de controlar. De una herida para la que el consuelo que hemos elegido siempre es efímero.

www.fernandopuche.net

Actividad docente en La Paloma

2011-09-10T20:15:00.000-07:00

Viendo el documental "Henri Cartier Bresson, Biografía de una mirada" (2003.

Curso de Fotografía digital en La Paloma, Rocha,
durante setiembre y octubre.
Plan de extensión educativa del Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes.
Lindo grupo, lindo ambiente y la naturaleza a pleno.

En el arte, hay firmas y firmas

2011-09-04T10:30:00.001-07:00

Se presentó oficialmente por el diario El País, la revista digital ARTE, (http://www.elpais.com.uy/110904/pespec-591068/espectaculos/se-presento-arte-revista-digital-creada-por-el-pais/)
En la edición impresa del diario, ilustran la nota dos imagenes: un cuadro del pintor Ignacio Iturria, debidamente acreditado y una foto, ésta sin acreditación de su autor. El autor soy yo.

Atget y la fotografía como necesidad humana.

2011-08-14T12:06:00.000-07:00

La exposición de Eugene Atget me ha dejado una sensación extraña. Veo sus fotos, su producción ingente. Observo el retrato de perfil que le hizo Berenice Abbott un par de semanas antes de morir, y percibo a un hombre sencillo pero cansado, con la mirada perdida y la espalda encorvada bajo el peso de los años, y seguramente también bajo la tristeza de haber perdido a su mujer un año antes.

Atget no perseguía ninguna distinción. Sus fotos no buscaban medallas ni condecoraciones. No estaban destinadas a concursos o becas promocionales. No pretendían ser exhibidas porque ya satisfacían un deseo: el de Eugene por documentar su viejo París. Una manera como cualquier otra de ganarse la vida sin aspavientos ni pretensiones artísticas. En este sentido Atget no era avaricioso.

Hoy en día parece que comenzamos a hacer fotos con el programa de marketing inserto en nuestro disco duro interno. La creación unida a la difusión de nuestra obra; el impulso creador en paralelo a la publicidad; la realización de imágenes inseparable de su proyección social. Una dimensión comercial corriendo por nuestras venas y adelantando en muchos casos a nuestra propia capacidad imaginativa. Ego y vanidad compitiendo con ideas y estéticas en una carrera en la que apostamos casi todo a las dos primeras. Las imágenes como medio de promoción personal; la obra como catalizadora de ese prestigio social que perseguimos con la excusa de hacer fotos. Estamos convencidos, como en la canción, de que todo lo que brilla es oro, y nos volvemos locos por cambiar nuestras imágenes por una escalera al cielo. Y la pena es que el fin último quizá no sea la obra sino la escalera.

(Texto original de Fernando Puche, en Diario de un fotógrafo)
www.fernandopuche.net

Para aquellos que quieran ver más fotos de Atget, les dejo la direccíón de un blog donde hay una buena selección. http://floresdelfango.blogspot.com/2010/01/eugene-atget.html

Raras visitas

2011-07-16T07:12:00.000-07:00

Puede ocurrir, -y a veces con frecuencia- que
uno se sienta como despellejado
sin la barrera de la piel, en contacto directo
en carne viva, a nervio desnudo
con el extraño ser de la belleza

¿Qué hacer? Es necesario
recibir al fugaz visitante
con cierto disimulo.

¿Qué diría la gente
si nos viera caer de rodillas -¡y dan ganas!-
por tres gotas de música
por un tono perfecto
por una línea pura?

Circe Maia

Ciuco Gutiérrez en el CCE

2011-05-28T06:05:00.000-07:00

Taller realizado el miércoles 25 y jueves 26 de mayo con un personaje singular de la fotografía española de los últimos tiempos. Un rápido pasaje por el encadenamiento que lleva a la actual fotografía "de autor" y una visión del trabajo de este artista. En resumen, una buena experiencia.

http://www.facebook.com/media/set/?set=a.128110369467.128645.126577884467

Dar y recibir

2011-05-05T08:03:00.000-07:00

© 2011 Rodolfo Fuentes

Cuando aprender/enseñar es parte de un proceso vital de crecimiento, naturalmente uno elige en que parte de ese par indivisible está en cada momento.
Cuando ese delicado equilibrio se rompe, transformándose en parte de un proceso mercantil, tanto si se produce dentro de una institución de enseñanza privada como si el objetivo de quien enseña/aprende es solamente obtener beneficios económicos, se entra en una espiral de insatisfacción.
Hay algo de sagrado en enseñar como lo hay en aprender. No en un sentido religioso sino en la carga ética, en la responsabilidad del dar y el recibir. RF, abril 2011

Razones para un bajo perfil

2011-04-09T13:36:00.001-07:00

© Rodolfo Fuentes, 1987

Soy fotógrafo profesional desde 1976. Comencé con la fotografía a los 16 años, en 1970.
Muchas veces me dicen ¿por qué no expones tus fotografías? o ante una foto determinada, públicamente conocida, se asombran de que yo sea el autor.
La mayoría de quienes preguntan esto no saben que hasta el año 1993 expuse mis fotografías tanto en Uruguay como en varios paises de América y Europa con bastante regularidad en muestras individuales y colectivas elegidas casi siempre como lo mejor del año por la Asociación de Críticos de Arte del Uruguay, que fui miembro de un grupo de seis fotógrafos (Mario Batista, Gustavo Castagnello, Roberto Fernández, Marcelo Isarrualde, Alvaro Zinno y yo) que hicimos por dos años seguidos un calendario con nuestras fotografías e intentamos venderlas en la Feria de Libros Y Grabados (1987 y 1988).

© Rodolfo Fuentes, 1975

¿Y porqué no se saben estas cosas?
En primer lugar, porque tal vez no sea un tema tan importante, salvo para aquellos a quienes les interese contar la historia completa de la fotografía uruguaya. En segundo lugar, porque yo mismo me he marginado del “mainstream” fotográfico uruguayo por diversas razones: mi dedicación a mi otra profesión, el diseño gráfico, el cansancio que conlleva el hacer exposiciones para tomar vino con mis amigos (a un costo que hoy no podría asumir), la ausencia casi total de un mercado para la fotografía de autor y las dificultades que implicaba el tomar el camino de hacer publicaciones en esta disciplina (todo esto a principios de los años 90).

© Rodolfo Fuentes, 1990

Tampoco se saben, porque Uruguay es un país de memoria volátil. Digamos que si uno no está todo el tiempo en el lugar indicado y en el momento indicado, es muy difícil ser tenido en cuenta. Y si uno no pertenece a un determinado “grupo”, “tendencia” , “género” o sociedad secreta, mucho menos. Por estas razones no me presento a concursos, llamados o convocatorias como las que realiza el Centro Municipal de Fotografía, por ejemplo. Asumo que no estoy en igualdad de condiciones para esas competencias. Si bien su labor me parece muy importante e inclusive he participado como jurado en alguna de sus convocatorias.
Lo importante de esto para mi es que aun me fascina la fotografía. Miles de rollos de película y muchos megabytes después. Trato de practicarla con pasión pero sin dogmas, credos o ideologías aparte de mi autoexigencia de que cada fotografía sea “Una fracción de segundo, un espacio, un sujeto, una imagen”, seguramente porque lo que me impulsa es la posibilidad de que con cualquier equipo, luz o condición, se puedan hacer imágenes irrepetibles de personas, situaciones y lugares. Disfruto mucho cada vez que consigo que aparezca, luminoso y conmovedor, ese abrazo inefable entre ambas sensibilidades.

Rodolfo Fuentes, Montevideo, 2011

Espacios privados, miedos públicos

2011-04-03T05:38:00.000-07:00

Tomar fotografías en los espacios abiertos del World Trade Center de Montevideo está prohibido. Me enteré de esto cuando estaba fotografiando el "parque de esculturas" recientemente inaugurado y un guardia de seguridad, impecablemente vestido con ese uniforme mezcla de "hombres de negro" y vestimenta nazi me lo comunicó, en forma educada pero también amenazadora (sobre todo cuando yo le pregunté si me estaba hablando en serio).
Si bien esta prohibición resulta por lo menos absurda, se ajusta "a derecho", ya que se trata de un espacio privado.
Lo anecdótico se convierte en un tema interesante de analizar desde un punto de vista casi antropológico: los propietarios de este emprendimiento despliegan sus argumentos de atracción y seducción de consumidores, inquilinos e inversores con total libertad, pero no permiten que otros tomen imágenes de su circo. Lo más curioso es entonces que este lugar, proclamado como lo más avanzado en emprendimientos inmobiliarios, exhiba el mismo miedo atávico que los indígenas que en el siglo XIX no permitían ser fotografiados por temor a que les robaran el alma. ¿Tendrá alma el World Trade Center?

© 2011 Rodolfo Fuentes

2011-03-18T11:54:00.000-07:00

Ser creativo corresponde a cada uno

2011-02-26T04:35:00.000-08:00

© 2011 Rodolfo Fuentes

Cuando empiezas a hacer fotos tu mayor deseo es ser capaz de realizar imágenes como las de tus fotógrafos favoritos. Pero antes uno ha de conseguir que le gusten sus propias fotografías, es decir, comprender que la cámara no ve la realidad tal y como la perciben nuestros ojos y, entonces, aprender a seleccionar del entorno aquello que entendemos tiene el potencial suficiente para convertirse en una buena fotografía.

No es sencillo pero con el tiempo muchas personas acaban consiguiendo imágenes bien compuestas, visualmente seductoras y de las que se sienten más o menos orgullosas. Sin embargo, una vez conseguido esto todo se complica. Podemos seguir fabricando obras dignas y atractivas o podemos intentar ir más allá y desarrollar una mirada mucho más personal. Aquí está el verdadero problema: un lenguaje propio no puede comprarse, no lo venden en la tienda de la esquina. Siendo así, la pregunta es inevitable: ¿pueden enseñarte a desarrollar una visión única?

Sigo viendo, y estoy convencido que lo haré en el futuro, cursos y talleres destinados a que el asistente consiga tocar esa piedra filosofal que todos perseguimos: la creación de un lenguaje propio, una visión única, una voz personal. Empeñados en que el alumno se acerque a su propia voz interior y encuentre el camino hacia una expresión más creativa y un estilo bastante más íntimo, estos cursos juegan con el deseo de trascendencia , siempre legítimo, que habita en cada aspirante al título de artista. Hace ya tiempo me di cuenta de que era incapaz de hacer que la gente fuese más creativa. Que era una tarea que correspondía a cada uno, un camino personal e intransferible que hemos de recorrer en solitario. Descubrí que sólo podía ofrecerles unas pocas herramientas, un exiguo discurso, una cadena de ejemplos y poco más. Podía enseñarles el camino recorrido por algunos maestros, las zonas oscuras de la carretera, los baches donde todos tropezamos tarde o temprano. Pero lo que no podía garantizarles es que fuesen a ser más originales y menos vulgares. ¿Cómo asegurarles algo que yo aún continúo buscando? ¿Cómo prometerles un cielo que aún no he visitado? ¿Cómo darles esperanzas acerca de algo que muy pocos consiguen? Por eso siempre les digo que nadie saldrá siendo más creativo, que eso han de ganárselo a pulso a partir de entonces. Nadie abre la boca; creo que se quedan así esperando la siguiente frase lapidaria. Pero no hay más: con esa es suficiente.

De alguna manera me conformaría con que asimilasen eso mismo: que el curso, mi curso, no va a hacerles especiales, ni siquiera ingeniosos. Que nadie tiene una varita mágica para que nuestra imaginación se vuelva prodigiosa. Que la visión personal no es un destino, es un trayecto que nadie puede averiguar por dónde discurrirá. Una autopista que vamos asfaltando con cada foto que hacemos. Así que puedo enseñarles a mis improbables alumnos cómo asfaltar el camino, cómo poner los adoquines en un recorrido que nadie, ni ellos mismos, sabe ni dónde ni cuándo terminará. Pero poco más. Puedo ponerles ejemplos, contarles mi historia, cientos de batallitas, y aún así sólo estaría colocándoles en el trampolín de salida (que no es poco), sin saber a ciencia cierta si serán capaces de lanzarse a las gélidas aguas del océano creativo.

Mi experiencia me ha demostrado que los alumnos más aventajados no lo son por la calidad de nuestras enseñanzas, sino casi siempre porque ya vienen con una mejor predisposición y son más receptivos, porque están dispuestos a experimentar y son más perseverantes que la mayor parte de sus compañeros. Podemos encenderles pequeños faros que alumbren en la lejanía algunos de los posibles caminos a seguir, pero la decisión, el apego y la energía son suyos. De nadie más. Los grandes maestros inspiran y mucho, pero la inspiración sirve de poco si no se está dispuesto a invertir tiempo y energía en investigar, reflexionar y experimentar una y otra vez. Sobre todo porque no son los docentes los que eligen a quien inspiran; son los propios aspirantes a fotógrafo quienes eligen en quien se inspiran y encima suele tratarse de una elección muchas veces inconsciente, de la que no sabemos ni por qué, ni cómo, ni cuándo ocurrirá. ¿Cuánto tiempo nos lleva encontrar ese lenguaje propio? ¿Cuántos años para desarrollar esa voz personal que caracterizará, quizás, nuestra obra? ¿Cuántas fotos y cuantas pruebas para madurar un estilo inconfundible e ingenioso? Nadie lo sabe. Por no saber, no sabemos siquiera si ese momento llegará.

Mi libro Crónicas de un fotógrafo desconfiado no llevaba ese título por casualidad. Sí, soy un poco escéptico. Sospecho de las recetas milagrosas, las pócimas secretas, las enseñanzas reveladoras. Recelo de los atajos y las verdades absolutas. Y no es envidia; esta vez no. Es que no creo que nadie encuentre su camino en un fin de semana, ni siquiera en un mes. No se logra una mirada personal con unas cuantas clases, aunque sean magistrales. Podemos ayudar a despejar algunas brumas del camino, reconducir ciertas incertidumbres y, quizás, iluminar algún callejón oscuro. Pero el grueso del trabajo lleva años y tarda en dar sus frutos. Frutos de sabor agridulce que siempre maduran demasiado tarde y que desgraciadamente no pueden comprarse en la frutería de la esquina. A mí me parece fantástico que haya cursos que ayuden a los futuros fotógrafos a buscar su camino, que los inciten a desarrollar una mirada más personal y única. Pero siempre serán el pistoletazo de salida de un viaje del que nadie conoce la duración ni el recorrido.

He dejado sin responder la pregunta con la que finaliza el primer párrafo porque no estoy seguro de poder contestarla. ¿Para qué la hago entonces? Porque el fotógrafo que no se hace preguntas es como el fotógrafo que no reflexiona: un autómata con una cámara en las manos. Sabiendo que cada persona mira y ve el mundo de una determinada manera, y que esta forma de percibir es deudora de visiones que vamos cogiendo prestadas a lo largo de nuestra vida, podríamos decir que cada persona tiene su propia manera de percibir la realidad circundante, pero que esa misma percepción está modelada por los estímulos que nos llegan y de la manera en que lo hacen. Lo normal es que esa misma educación visual condicione la forma en que percibimos lo que sucede a nuestro alrededor. Cuando fotografiamos tendemos a mirar a través de la cámara de un modo heredado de nuestros maestros, sean reales o ficticios. Puesto que la forma en que miramos al mundo tiende a modificarse con el paso de los años, no es raro que nuestras fotos acusen este cambio. Es cierto que hay autores que se pasan toda la vida fotografiando lo mismo y de la misma manera, pero lo es también que a menudo es complicado trazar la línea que separa el lenguaje personal de la repetición y la indolencia.

Fernando Puche, Diario de un fotógrafo

www.fernandopuche.net

Inteligentemente...

2010-12-24T07:59:00.001-08:00

..."y recomendarte que no esperes milagros salvadores ni de los nuevos siglos ni de los milenios porque ningún calendario trae realmente nada nuevo a la vida de los hombres. Solo confía en ti y en tus semejantes, en lo que podemos hacer todos juntos con sólo quererlo de verdad. Inteligentemente." Fernando Savater, Etica para Amador.

Intertextualidades

2010-12-22T03:33:00.000-08:00

Parte de la serie en que el famoso fotógrafo norteamericano Richard Avedon, retrata el proceso de avance en la enfermedad de de su padre. De su libro Portraits (1973)

La obra es la cosa misma

2010-12-07T23:40:00.000-08:00

‎"Creo que, en la mayoría de los casos, lo que el artista dice sobre lo que hará o sobre lo que ha hecho es una declaraciòn inadecuada y poco significativa. La cosa es la obra misma, y en cierto sentido al artista no debe preguntársele sobre la filosofía de vida en la que basa su arte. Su obra es esa base. La obra es la cosa misma. Paul Strand, 1974

Rocha, fotos a la pasada (Dic.2010)

2010-12-05T03:47:00.000-08:00

‎-¿Cree usted que el proceso de ver es algo en lo que se progresa?
-No se avanza a través de ello, sino hacia ello. Se aprende a ver cosas con la práctica. Cuanto más se miran las cosas, más se ve. Cuanto más se fotografían las cosas se comprende lo que se puede y lo que no se puede fotografiar. Eliot Porter

Una fracción de segundo, un espacio, un sujeto, una imagen.

2010-11-25T03:26:00.000-08:00

Magela Ferrero. Foto de Rodolfo Fuentes © 2010

La fotografía que conspira no es aquella que manipulada torpemente, pretende manipular al espectador. Es la que siendo esencialmente imagen, conspira, conmueve, desconcierta.
Puede parecer dogmático (porque lo es) pero reivindico lo de particular que tiene la fotografía por sobre los pretenciosos experimentos de montaje, escenificación, decoración y otros adornos con se pretende "enriquecer el lenguaje".
Una fracción de segundo, un espacio, un sujeto, una imagen. RF

Me presenté al Salon Nacional de Artes Visuales...

2010-11-17T06:40:00.000-08:00

no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos, no debo participar en concursos...

Pelotas, Río Grande do Sul. (10 y 11 de noviembre, 2010)

2010-11-13T03:43:00.001-08:00

Living in the past.

2010-10-28T20:30:00.001-07:00

Como ser un gran fotógrafo

2010-10-22T18:03:00.001-07:00

‎"Solo tienes que vivir y la vida te regalará las fotos. No puedes vivir para hacer fotos, debes vivir!! Y hacer fotos, porque eso es lo que te hacer vivir..." Henri Cartier Bresson a alguien que le dijo que quería ser un gran fotógrafo.

El nombre es todo en la vida

2010-10-10T17:29:00.001-07:00

Herbert Vianna de Paralamas do sucesso, en Montevideo Rock II (1988)

2010-08-20T19:24:00.000-07:00

Anibal Sampayo (1985)

2010-08-20T19:21:00.000-07:00

Renzo Teflón (1991)

2010-08-20T19:18:00.000-07:00

El grupo de rock Los estómagos, durante la grabación del video del tema Avril, 1988

2010-08-20T19:14:00.001-07:00

So long Herman!

2010-08-15T11:56:00.000-07:00

Dexter Gordon por Herman Leonard (1923-2010) Un referente como fotógrafo del jazz

Veredas

2010-07-15T05:15:00.000-07:00

Imagenes Prescindibles II

2010-06-29T17:33:00.000-07:00

Imágenes prescindibles I

2010-06-15T15:12:00.000-07:00

¿Precisamos estas fotografías?

2010-06-09T13:37:00.000-07:00

Como decía el post anterior, "si no hay nada para develar, no precisamos la fotografía"
La foto de portada de "La Diaria" del día de hoy (09.06.2010) es un claro ejemplo de "que ponemos pa rellenar?".
Una imagen innecesaria, anodina, inexpresiva y tonta, relleno puro. Entre las nuevas cámaras que hacen video en alta definición, por lo tanto el viejo y querido "momento decisivo" parece condenado a ser sustituido por la elección de una entre cientos o miles de imagenes, los aficionados banalizando el valor de una buena imagen y la incompetencia de los autodenominados "fotoperiodistas" y sus editores eligiendo chatarra visual, ta difícil mismo.
Por suerte hay pocos, pero buenos fotógrafos en Uruguay. Roberto Fernández, que está exponiendo en la sala del CMDF, es uno de ellos.

¿Fotografiar es preciso?

2010-06-08T15:22:00.000-07:00

En lo que dice un personaje de "Palermo Shooting", la película de Win Wenders: "si no hay nada para develar, no precisamos las fotografía"

En la calle Paraná...

2010-06-05T20:23:00.000-07:00

No soy "fotoperiodista" ni lo quiero ser!

2010-05-25T10:29:00.000-07:00

Kurt Rosenwinkel Standards Trio, Montevideo, Marzo 20

2010-05-21T17:45:00.000-07:00

John Medeski, Montevideo, 16 de Mayo, 2010

2010-05-17T07:37:00.000-07:00

Tibó en la luz de la mañana

2010-05-10T08:56:00.000-07:00

Promoción in the dark

2010-04-29T20:45:00.000-07:00

Heavy Weather

2010-04-18T19:22:00.001-07:00

Para que fotografiar

2010-03-20T04:29:00.001-07:00

A mí se me ocurren, así de repente, dos razones muy simples: para mostrar y para no olvidar. Un número puede que demasiado elevado de imágenes son hechas para mostrarse. Las personas que las hacen pretenden de antemano que las fotos que han hecho, están haciendo o harán en el futuro, terminen en una revista, un periódico, colgadas en la pared de una galería, en alguna página web... En definitiva, en algún escaparate donde los demás puedan verla. Da igual que las hayamos hecho por encargo o por iniciativa propia, la mayoría de las imágenes nacen para ser vistas. Para no olvidar. Muchas de esas fotos también pretenden atrapar momentos decisivos de nuestras vidas, instantes singulares, momentos que de alguna manera generan dentro de nosotros sensaciones únicas. Seguro que hay más razones, más respuestas, muchos más puntos de vista.

Seguro también que todas pueden ser ciertas. Y seguro que la mayoría de ellas no nos sirven demasiado a la hora de salir con nuestra cámara a retratar el mundo. No sé, a mí me pasa. Cuando estoy fotografiando no me sirven ni Barthes, ni Benjamin, ni Krauss, ni Adorno. No pienso ni en Serge Tisseron ni en Vilém Fluser. Frente a una diminuta roca semienterrada en una playa cualquiera, que produce una estela distinta en la fina arena cada vez que la marea la alcanza y que refleja en su humedad los colores de un cielo cargado y un tanto oscuro, ¿alguien necesita la historia de la fotografía? Frente a un lago helado que ha dejado fuera de su superficie un laberinto de tallos secos formando una especie de jeroglífico natural, ¿quién quiere pensar en teorías y análisis varios? Me coloco frente a ello y decido si saco la cámara de mi mochila en función de lo que me transmite aquello que percibo. No quiero retórica ni conceptos. Quiero sentir lo que tengo delante, sentirlo hasta que decida convertirlo en imagen o continuar buscando. ¿El qué? Sensaciones. Necesito sentir para hacer fotos.

Fernando Puche (www.fernandopuche.net)

the sheltered sky

2010-02-15T16:36:00.001-08:00

Mentiras verdaderas

2009-12-21T09:26:00.001-08:00

“Toda fotografía es una ficción que se representa como verdadera. Contra lo que nos han inculcado, contra lo que solemos pensar, la fotografía miente siempre, miente por instinto, miente porque su naturaleza no le permite hacer otra cosa. Pero lo importante no es esa mentira inevitable. Lo importante es cómo la usa el fotógrafo, a qué intención sirve. Lo importante, en suma, es el control ejercido por el fotógrafo para imponer una dirección ética a su mentira.
El buen fotógrafo es el que miente bien la verdad“
Joan Fontcuberta

Paradojas de estos tiempos

2009-12-08T17:56:00.000-08:00

Cada vez hay más y más personas que hacen fotografías, con cámaras de 2000 dólares, con cámaras de 100 dólares, con celulares, con lo que sea...
Por lo tanto podemos pensar que, cada vez hay más personas que se dedican a la fotografía, porque además cada vez hay más escuelas de fotografía, mas cursos, mas muestras, exposiciones, programas de tv, libros, mas talleres, más maestros, maestritos y gurués de la imagen que te enseñan los secretos de este arte en un chasqueo de dedos...
Sin embargo -y este es mi blog de opinión, por lo tanto opino- creo que cada vez hay menos fotógrafos. Y que cada vez más personas creen estar haciendo fotografía y simplemente están coleccionando imagenes, mostrando lugares comunes, haciendo una especie de arte sin alma.
Porque la técnica se aprende en muy poco tiempo, no es muy difícil, no es una disciplina complicada. Mucho menos ahora, que la generación de imágenes digitales obvia toda la magia del laboratorio y permite hacer miles y miles de versiones de la misma flor, del mismo atardecer, del mismo tronco de árbol. Y está bien, muy bien que asi sea, siempre y cuando se sepa que luego de eso hay un largo, larguísimo camino autocrítico hasta llegar a la fotografía. Como hay , por ejemplo una enorme diferencia entre seleccionar música grabada (como hace un dj) y hacer música como lo hace un músico, aunque los dos llamen a su acto"tocar".

Una foto repetida mil veces ¿sigue siendo una foto?

2009-12-08T17:46:00.000-08:00

Nueva Acrópolis

2009-11-11T18:24:00.000-08:00

Automovilclú

2009-11-11T18:22:00.000-08:00

Anochecer de un dia...

2009-10-15T06:58:00.000-07:00

Cual retazo...

2009-10-15T06:56:00.000-07:00

Intertextualidad y ética

2009-07-31T07:18:00.001-07:00

Una de las ¿bendiciones? de la época que estamos viviendo es esa sensación de que todos tenemos la posibilidad de conocer todo lo que existe, por lo tanto ese conocimiento nos permite practicar impunente la "intertextualidad" como vehículo artístico, y de esta manera obtener espacios políticos (que significan influencia, poder, legitimación y por tanto, fuentes de trabajo) o espacios mediáticos (que significan todo lo demás y además visibilidad). Convengamos en que no estamos en tiempos donde la moral y la ética al viejo estilo sean valores muy cotizados, y como dice Sandino Nuñez, hacemos las cosas simplemente porque podemos. De esta manera, Urruzola hace su serie sobre desaparecidos, conociendo o no la fotografía de Josehpson, o tomando el ejemplo de miles de fotos de personas sosteniendo fotos de sus seres queridos en Israel, en Palestina, en Sarajevo o en cualquier lugar donde haya puesto su pie el horror. De esta manera, Federico Rubio hace su versión de las fotos de plantas de Bloomsfeld y cosecha un enorme éxito de crítica y sobre todo de ventas. La carrera por ser y parecer, al mismo tiempo que debemos ganarnos el pan, no conoce límites ni cuestionamientos. Mientras tanto, la pulsión profunda que lleva al bicho hombre a expresarse, cada vez se aleja más de lo válido y la sinceridad visceral del artista se oculta detrás de lo conceptual.Honestamente creo que hay demasiada premeditación y alevosía en la mayor parte de la fotografía uruguaya actual y pocos ejemplos de honestidad ý respeto (amor) hacia lo medular del medio: la posibilidad de que la fotografía sea el resultado de un aprendizaje técnico útil únicamente a la concrección material de una sincera introspección creativa.

Aproximaciones a un nuevo retrato (II)

2009-07-04T06:13:00.000-07:00

"Actualmente, pues, los fotógrafos artísticos que desean expresar algo significativo sobre el rostro humano, intentan encontrar estrategias y tácticas que se ajusten al entorno social y tecnológico en el que estan inmersos, siempre en rápida evolución. En el siglo pasado, el retrato tenía una temática mucho más restringida, ya que su objetivo se limitaba a revelar la verdad interior de los individuos, o bien a hacer afirmaciones generalizadas sobre "el rostro de nuestro tiempo". Si el primero de estos objetivos resultó ser un argumento hueco aunque seductor, los fotógrafos que optaron por la segunda opción salieron bastante mejor parados: sólo tenemos que pensar en los fantásticos y arrolladores logros de August Sander, Diane Arbus o Richard Avedon. Pero en su época, el rostro considerado como un objeto era un asunto estable, mientras que hoy es un tema oscilante.

..."hay al menos un factor común en todas las imágenes tan dispares exhibidas: la convicción de que es una tarea relevante, e incluso urgente. El rostro es un campo de batalla -para la ciencia, la tecnología, la industria, el comercio y el arte- y haríamos mucho mejor en tomar partido, ya que como advirtiera McLuhan hace casi cincuenta años, "una vez que nos hayamos rendido y hayamos entregado nuestros sentidos y nuestro sistema nervioso a la manipulación privada de los que se aprovechan de tomar en usufructo nuestros ojos, oídos y nervios, ya no nos quedará en realidad, ningun derecho"1. La aproximación al retrato convencional del siglo XX está pasada de moda y es irrelevante. Afortunadamente, los fotógrafos han decidido derribar esta fachada y construir de nuevo".

William A. Ewing: Face. The new photographic portrait, 2006

1: McLuhan, Marshall, Understading Media: The extensions of man, 1964

Aproximaciones a un nuevo retrato (I)

2009-06-29T20:15:00.000-07:00

"Una vez que me siento observado por el objetivo todo cambia: me constituyo a mi mismo mientras poso, me fabrico de forma instantánea otro cuerpo para mi mismo, me transformo yo mismo de antemano en imagen" Roland Barthes, 1981

El rostro ausente ¿dice ausencia o dice presencia negada? Los límites de la imagen son los de su existencia ya no física, ni siquiera temporal sino convocada, manifiesta a pedido, conjurada desde la simple letanía matemática de su latencia, ahora si, ahora no, ahora si...

Foto ©2009 Rodolfo Fuentes

Intervención sin anestesia

2009-05-29T13:49:00.000-07:00

Tres turistas de inequívoco origen español observaban el enorme cartel publicitario montado en la caja de vidrio del Teatro Solís.

—¿Quién será ese tal ONELLI? dijo la señora más petisa.
—Tal vez haya sido algún alcalde de la ciudad, respondió el señor canoso de la filmadora,
—Tal vez, dijo el tercero un señor de saco de cuero, ¡Pero joder, como se parece a ONETTI!!!

En la instalación de una gigantografía alusiva a la “montevideanez” del escritor Juan Carlos Onetti se pueden detectra al menos dos enormes omisiones. Más grandes, por su alcance que su real dimensión física. La primera, un error de diseño, y que generaba ese curioso diálogo del principio, porque las barritas horizontales de las “t” desaparecieron en una de las divisiones de la gigantografía. La segunda y muchísimo más importante: se utiliza una fotografía nada menos que de Hermenegildo Sabat, que presumiblemente sea de fines de la década del cincuenta. Se utiliza y se difunde públicamente sin acreditarla a su autor.
Sobre estos errores, se establece que la autoría de este ¿cartel? (creo que alguien dijo que era una "intervención") pertenece al Sr. Juan Ángel Urruzola, tal y como aparece en el pie de la foto de portada de “La Diaria”del día 27 pasado (por otra parte, una nueva muestra de excelente “fotoperiodismo” aguerrido y con “actitud”-Ver entrada "Y la fotografía?- en este mismo blog).
A partir de estos equívocos, estoy seguro de más de un despistado va a creer que el señor Urruzola es el autor de ese excelente retrato…
Onetti fue retratado muchas veces por grandes fotógrafos como el uruguayo Sabat (el del cartel), el cubano Jesse Fernández o las argentinas Sara Facio y Alicia D’Amico, cuyas obras acompañan esta entrada, pero que se sepa-y menos en los años 50-, nunca por el señor Urruzola.

1. Juan Carlos Onetti, Paris, 1978. Del catálogo de la muestra del fotógrafo cubano Jesus "Jesse" Fernández, Museo Nacional de Arte Reina Sofía, 2003

2. Juan Carlos Onetti, Viña del Mar, 1969. Del libro Retratos y Autoretratos de Sara Facio y Alicia D' Amico, Buenos Aires, Ediciones de Crisis, 1973

Yo a vos te saco...

2009-05-29T09:20:00.000-07:00

Felicitaciones Mandrake!!!, un grande cuyo verdadera estatura de creador merece ser conocido por todos los uruguayos.Vaya esto además en rechazo a la miopía profesional de quien pudiendo mostrar y hacer conocer a cara de un valioso músico uruguayo en primera plana de su medio de prensa, elije una mala y pretensiosa foto para dejar claro la "actitud" fotoperiodística del "profesional" de turno en La Diaria. Yo conozco a Alberto, y como muchos de nosotros, podemos "sacarlo" por un pedacito del bigote. Pero la inmensa mayoría de los uruguayos no tiene ni idea de como es la cara de esa persona. No se puede desaprovechar la oportunidad de hacerlo visible, por publicar una foto para unos pocos.

Muchachos, no basta con la "actitud", también hace falta APTITUD.

Alberto "Mandrake" Wolf, Mayo de 1991 (se utilizaron flashes de estudio ¡vade retro!!)

Mirar el pasado para hacer un mejor futuro

2009-05-27T11:07:00.000-07:00

La gente de Peñarol, tal vez mirando la historia, encuentre un camino mejor, más sano, para que el centro vuelva a ser el deporte.

Roque Gastón Máspoli, campeón mundial 1950.

¿Y la fotografía?

2009-05-22T10:01:00.000-07:00

“Hasta me pregunto si un reportero fotógrafo tiene todavía alguna utilidad en la prensa”
Laurent Van der Sockt en “ Esthetique de la photografie. La perte et le reste”

Francois Soulages-Victor Goldstein, Nathan, Paris, 1998.

En dos ediciones recientes del periódico “La Diaria” aparecen, como es habitual, una gran fotografía en portada, parte de la identidad visual de esta publicación.
Ambas fotografías, la del miércoles 20 y la del jueves 21 de mayo muestran básicamente elementos con contenidos gráficos: una persona sosteniendo un cartel con un poema de Mario Benedetti la primera y varias pancartas con imágenes de personas desaparecidas la segunda.
Lo supuestamente interesante en este caso, entonces, es lo escrito, lo gráfico. Pero no creo que ningún editor gráfico en ninguna parte del mundo hubiera puesto estas fotos en portada.
La ausencia de imagen de verdadera lectura fotográfica es llamativa ya que implica una renuncia al lenguaje visual propio del fotoperiodista autor en función de una lectura literal de un elemento gráfico . Al igual que en muchas remanidas fotografías de grafittis no hay valor ninguno en la acción del documentador.

Qué lejos del pensamiento de Henri Cartier Bresson cuando decía que “La fotografía debe captar en el movimiento el equilibrio expresivo, captar la estructura significativa. Fotografiar es contener el aliento cuando todas nuestras facultades se conjugan ante la realidad en fuga; precisamente entonces la captura de la imagen es una gran dicha física e intelectual”
Hacer y mostrar, (y publicar) como fotoperiodismo estas imágenes, realmente está lejos de ser una dicha física e intelectual; también lejos de ser una muestra muy significativa de rigor profesional.

Ojos bien cerrados

2009-05-17T15:43:00.000-07:00

No se realizará en el espacio de exposiciones de "La Diaria", la exposición de Rodolfo Fuentes "el mundo es cuadrado", una serie de alrededor de 40 retratos digitales de gente mas o menos famosa. El proyecto fue rechazado por los fotógrafos de dicho medio, aduciendo que "no les gustaba...".

A esta decisión sumamente respetable, se sumó una especie de exámen crítico -no tan respetable- de algunas de las fotos, comentando por ejemplo, que en la foto de Daniel Figares que acompaña esta entrada, el sujeto "esta con los ojos cerrados...". Sabida es la postura ácidamente crítica respecto a la sociedad en que vive, que Daniel expresa en cada oportunidad que tiene; es más, su blog se titulaba, parafraseando a su ídolo Hunter Thompson, "Miedo y asco en Montevideo". De ahi, el retrato, su carita de asco, sus ojos semicerrados.

Asimismo se cuestionó el retrato de Washington Carrasco y Cristina Fernández, en este caso por "estar iluminado en estudio". Mas allá del hecho que fotografiar a esta pareja representativa de una suerte de status-quo de la cultura nacional, requeria precisamente esas reglas del juego, pactadas además con ellos, nada dice que los sujetos fotografiables deban tener los ojos completamente abiertos en las fotos o que los fotógrafos debamos renunciar, en nombre de no se sabe que reglas éticas, a utilizar la luz que se nos ocurra (claro, siempre y cuando dominemos ese recurso) para hacer fotos!.

Seguramente muchos de los prestigiosos cuestionadores, si hubieran tenido la edad y la sapiencia que ahora exhiben, habrían bochado también el retrato de Zitarrosa en el Estadio Centenario(1984). Solo que, aunque ellos nunca lo van a poder comprobar, quien hizo esa foto sabe que, muchas veces Don Alfredo cantaba mejor con los ojos cerrados.

Bastante tiempo después, de que escribí esto, y siendo mediadios de diciembre de 2011, publico aqui el boceto de catálogo que había hecho para esa exposición frustrada.

Descargar catálogo en PDF.

Chau Mario...

2009-05-17T15:40:00.000-07:00

En la secuencia (inédita hasta ahora) Viglietti le cuenta a Benedetti como el Pepe Guerra se puso pasta de afeitar bajo los brazos, creyendo que era desodorante...

Del backstage de la sesión fotográfica que realizaba Marcelo Isarrualde en mi estudio para la carátula de "a dos voces", 1985

Piriápolis en abril II

2009-04-18T14:03:00.000-07:00

Piriápolis en abril

2009-04-18T14:00:00.000-07:00

A SEIS MILLAS DE LA SOLEDAD

2009-02-02T06:29:00.000-08:00

Mirando al sudeste, desde la rambla de Malvín y hasta la Costa de Oro, en los días despejados el horizonte dibuja la silueta asimétrica de la Isla de Flores.
Se sabe que allí pasaron cosas. Afinando la vista se vislumbran construcciones, y se distingue claramente el faro, pero la ínsula y sus avatares no han despertado el interés de historiadores, narradores o tan siquiera operadores turísticos. Una extraña indiferencia ha ignorado las voces de la isla. Este es el relato de algunos días vividos hace algunos años en ese lugar tan cercano, tan lejano.

-“¿Y ustedes, quiénes son…? ”. El marino de impecable uniforme caqui, impuso su voz acostumbrada a dar órdenes por encima del aullido del viento pampero. Oscuros raybans -modelo clásico- el oficial nos observaba desde lo alto, suspicaz, curioso. Nosotros sucios quemados por el sol y cargados de bártulos, elevamos nuestras miradas mientras nos aferrábamos como podíamos a la bamboleante escalerilla de cuerdas, intentando trepar, torpes marinos de agua dulce, desde una zodiac que hacía agua por todos lados, hasta la borda de la gran lancha patrullera.
Dadas las inquietantes circunstancias, su pregunta sonó absurda. El mar estaba realmente picado. Anclado a unos cien metros de la única tierra firme en varias millas a la redonda, el navío gris se mimetizaba con el cielo encapotado de la mañana, apareciendo y desapareciendo en cada uno de sus múltiples balanceos. Pese a todo, era nuestra única posibilidad de retorno a la costa continental, a lo conocido. Luego, ya establecida nuestra identidad, firmado el libro de abordo e instalados en cubierta, emprendimos el regreso a puerto.
La aventura había comenzado cinco días antes, una luminosa mañana de enero de 1992. Junto a mi amigo Patrick (1). Nos despedirnos de nuestras esposas y nos dirigimos al puertito del Buceo, donde estaba anclado el diminuto velero del entonces embajador suizo en Uruguay. En él cargamos varios bolsos de equipo fotográfico, pesados trípodes, alimentos, mucha agua embotellada y una pequeña carpa, que luego no usaríamos. Mucho a motor y muy poco a vela, hicimos la primera parte de nuestra travesía.
El plan era pasar algunos días -entre ellos, nuestros respectivos cumpleaños- en la Isla de Flores, lugar tan cercano como misterioso, recogiendo información y haciendo fotografías para un futuro y todavía pendiente libro, utilizando cámaras de formato grande, ésas con fuelle que parecen tan antiguas a los neófitos. Suponíamos que podíamos volver, luego de coordinar por radio, en el barco que efectuaba el relevo del personal del faro.
“Allí hubo una cárcel ¿no?…”: ése era el comentario más común de aquellos a quienes contábamos nuestro proyectado viaje. El despiste era justificado, por el desconocimiento general sobre el pasado de este lugar, abonado por una inexplicable ausencia de datos en nuestra historia oficial. Situada a escasas séis millas náuticas de la costa, la Isla de Flores es fácilmente visible desde la rambla de Montevideo, pero invisible al imaginario colectivo.
Desde la borda la isla fue haciéndose corpórea, real, hasta ocupar todo el campo visual. Navegamos en torno, bordeando la costa peligrosa, vislumbrando excitados un panorama prometedor. Atracamos en el pequeño muelle.

LA ISLA
Cuentan las leyendas que la isla de Flores fue descubierta en 1526 por los navegantes de la expedición de Gaboto, cerca de la Pascua Florida. O avistada por primera vez en 1516, cuando llegó Juan Díaz de Solís, por un piloto de nombre Flores. O que su nombre se debe a las alcohólicas visiones de algún delirante marino inglés que imaginó ver imposibles árboles floridos en las hasta hoy inclementes rocas que conforman las tres partes en que se divide la ínsula, llamadas -oficial y muy apropiadamente- la Primera, la Segunda y la Tercera.
Mas bien islote que isla, en apenas mil setecientos metros de largo por trescientos a quinientos de ancho, los paisajes se suceden con una diversidad inesperada.
Las deyecciones de las gaviotas y otras aves marinas, que tienen uno de sus últimos lugares de empolle en las rocas del sur de la isla, paraíso de pescadores, escriben en blanco su mensaje sobre las rocas de la Primera, festoneadas de algas podridas, pájaros marinos muertos y trozos secos de tunas. Semejando a veces pavimentos brillantes por el azote de las olas, a veces opacas lápidas, este entorno de oscuridad oprime el corazón, anhelando el verde, lo vivo.
Hacia el sudeste, el estero. Es la Segunda, donde un espeso juncal, devora un camino de piedra y material que la une artificialmente a la Primera. Incluye los restos de una vía de tren de trocha angosta y luego de pasar por los edificios de las calderas, el hospital y los semienterrados restos del cementerio, llega al límite de lo transitable.
En días de marea muy baja, se puede pasar a través de las ruinas del largo puente metálico que unía la Segunda a la Tercera, la parte más pequeña, el reino de las gaviotas, donde se levantaban las construcciones de madera del lazareto que rodeaba las edificaciones de material del crematorio.
No hay árboles. Apenas un par de palmeras, algunos ligustros y una añosa higuera. Tampoco hay agua potable.
La fauna, además de las enormes colonias de aves marinas, se compone de algunas aves de corral, un par de ovejas y fundamentalmente de innumerables conejos, herencia de los ingleses, que en la época de las Invasiones establecieron aquí una avanzada. Aparte de eso, invisibles a los ojos pero dolorosamente presentes en mis tobillos, los bichos colorados...

LA PRIMERA
En las postrimerías del siglo XVIII, la seguidilla de naufragios en la zona hicieron clamar a los habitantes de Montevideo por un faro para la isla. Situada en medio de las más peligrosas aguas del estuario del Plata, apenas a diez millas del temible Banco Inglés, sus aguas han sido la tumba de innumerables navíos. Algún amanuense, aficionado al tema, completará algún día la ordenada certificación de esos naufragios.
Al respecto, otra de las leyendas, esta consignada en un libro de quien fuera capellán de la isla Celestino Cuneo(2), dice que “El farol de popa de la fragata de guerra Loreto, naufragada en la punta de San José en Mayo de 1792, fue la primera luz que desde la Isla de Flores alumbró el Plata”. Un polémico convenio entre la corona portuguesa y el cabildo uruguayo de la época, desembocó, luego de muchas idas y venidas, en la construcción del faro hasta hoy existente, inaugurado oficialmente en 1826 o en 1828.
De un blanco deslumbrante, este faro es una hermosa y sólida construcción que yergue sus 37 metros de altura con su tranquilizador mensaje de vida, dos destellos cada diez segundos, sobre su pedestal natural de enormes piedras absolutamente negras, tan oscuras como la fría presencia de la muerte, simétricamente representada por la todavía enhiesta chimenea del crematorio en la otra punta de la isla.
Franqueadas las puertas de madera, un piso en damero subraya la casi monocroma presencia del faro, elevando su blanco y negro a través de una extraña escalera de media pisada. Por ahí se llega a la maravillosa maquinaria sueca de relojería, en funcionamiento desde 1845, luego de que los soldados de Oribe destruyeran la maquinaria original. Los enormes reflectores de grueso cristal potencian rítmicamente la luz, ahora eléctrica, aunque al principio, fuera alimentada sucesivamente por grasa de potro, velas de sebo, queroseno y, hasta 1986, con gas de acetileno.
El faro y sus edificaciones auxiliares son las únicas construcciones que se mantienen en uso. Habitadas por una dotación de la marina uruguaya que se releva cada quince días, siempre y cuando el tiempo lo permita, las instalaciones incluyen dos generadores eléctricos, una estación meteorológica y un radiofaro que complementa y suple al faro lumínico en las jornadas de mal tiempo.
Más allá de eso, se levantan las ruinas de inmensas construcciones, desproporcionadas al tamaño de la isla. El hotel, la comandancia, las instalaciones de la oficina de telégrafos y el correo (origen de un matasellos codiciado por los coleccionistas y que el temor a las enfermedades que podían transportar las cartas que provenían de la isla ha convertido en una verdadera rareza) conforman los bloques de edificios que se arraciman cerca del faro.
Despojadas de sus estructuras livianas, las construcciones inventan laberintos, sugieren celdas, tal vez mazmorras. Entre ellas, aparece la presencia casi doméstica de una gigantesca cocina de leña. Al frente, balconeando hacia la ciudad, una gran balaustrada.
El pasaje por la isla de muchos viajeros quedó entrelazado en esa balaustrada en ruinas. Bajo los añosos líquenes sobrevivieron primarios grafittis que no portaban mensajes políticos o ingeniosos. Solamente nombres y fechas de lejana memoria.

LA SEGUNDA
Algunas edificaciones en buen estado, sirven de refugio a los pescadores artesanales cuando las tormentas no les permiten volver a la costa. En su época, albergaban las calderas de los equipos de desinfección al vapor.
Un poco más adelante, las ruinas más imponentes del hospital, en una de cuyas salas los marineros han improvisado un frontón de pelota.
Al fondo, entre unas pequeñas colinas a las que algunas ovejas dan aires de paisaje irlandés, se adivinan –en ruinas- los muros de piedra de la capilla, cerca de donde se sabe existió un pequeño cementerio, sin lápidas ni osario, ya que los que allí reposaron alguna vez fueron cenizas volviendo al polvo.
Nadie sabe cuantos fueron. Los soñadores atravesaron el océano, generalmente en tercera, incubando la enfermedad en la promiscuidad de las hacinadas literas. Sus sueños muchas veces terminaron alimentando con sus cenizas esta pequeña tierra, tan estéril como ese viaje, muerto apenas vislumbrado el nuevo mundo. Cercano. Inalcanzable.

LA TERCERA
Mirando al sur, la presencia ominosa de la chimenea del crematorio, destino final de los que nunca dejaban la isla. No hay forma de dejar de verlo: aparece por cada hueco, entre las ventanas desguazadas, encuadrado en los hoyos de las paredes. Impúdicamente levantado en la parte más inaccesible, estaba circundado por las ahora inexistentes construcciones de madera del lazareto sucio, el de los desesperanzados.
Desde las ventanas de madera, los enfermos podían observar la columna de humo, respirar el acre olor de carne quemada, contabilizar el traslado de los cadáveres en pequeñas zorras a través de la vía que venía de la Segunda.
Un pequeño crucifijo sobrevive en la mampostería presidiendo la entrada de esa habitación cuadrada, de techo bastante alto, asépticamente revestida de grandes azulejos blancos. Allí el horno abre su cavernosa y desdentada boca, estremecedora visión alimentada por esa, nuestra inexplicable fascinación de lo macabro.

EL DIA
La barraca donde nos refugiamos está en la Primera y es usada habitualmente por las dotaciones de la marina que eran destinadas a la estación científica de la Antártida. En la soledad de la isla, realizan su período de entrenamiento en aislada convivencia.
Un par de camastros con colchones bastante cómodos, un lugar donde guardar nuestros equipos. Afuera, una mesa de madera y un tanque donde se recogía el agua de lluvia, que nos permitía lavarnos y, convenientemente hervida, preparar té o café.
Con precisión suiza, Patrick se levanta antes del amanecer para aprovechar la luz de esa hora mágica, siempre cambiante, siempre sorprendente. Impulsado por su determinación, yo arrastraba mis piernas atormentadas por los bichos colorados junto a mi trípode y mi cámara 4x5 por los recovecos de la isla, contraluz y luz rasante, volviendo a convocar, lejos de automatismos electrónicos, el ritual de aprisionar en una placa lo inasible del paso del tiempo. El dolor producido por las picaduras, que llagaron e hincharon mis piernas, apenas era aliviado por el alcohol de primus que me proporcionaban los marineros.
Luego de trabajar por cuatro o cinco horas, volvíamos a la barraca para dormir una siesta de media mañana, evitando así la luz inclemente y dura del mediodía.
Almorzábamos, tratando infructuosamente de hacer bajar la inmensa montaña de arroz que Patrick había chambonamente cocinado el primer día, mezclándolo con el contenido de diversas latas de nuestras provisiones. Cerca, nuestros vecinos cocinaban aromáticos chupines de pescado.
Llegaron en un pequeño bote a la mañana siguiente que nosotros con miras de pescar y se alojaron -tabique por medio- en la misma barraca. Fue precisamente con ellos, en el pequeño chinchorro de fibra de vidrio de los marineros, que pudimos navegar hasta la Tercera. Extraña pareja, uno de ellos era marino, tal vez jubilado; el otro, el manco, era el cocinero. No supe su historia ni dónde quedó aquel brazo que le fue arrancado hasta la mitad del hombro.
Por la tarde volvíamos a la tarea. Mi compañero, metódico y ordenado, consultaba su cuaderno de notas, su brújula, llevando a cabo un plan preestablecido. Yo, trataba de encontrar en mi desprolijo oficio visual, la suficiente sensibilidad como para atrapar en imágenes los fantasmas que poblaban la isla, o la visión surrealista de dos gansos blancos pasando majestuosamente por uno de los desvencijados portones.
En el último atardecer, el pesado equipo que usábamos casi no me permite fotografiar la paleta de lilas, rosados y carmines con que el sol nos despedía. Sin embargo, esa vez la suerte estuvo de mi lado.

LA NOCHE
Incontaminado de luces artificiales, el cielo negro, revelaba más estrellas y desconocidas constelaciones. A la luz de faroles o de las pequeñas linternas, leíamos o conversábamos, vaso de whisky mediante, hasta que el sueño nos vencía, y yo retomaba mi danza histérica del rascarasca, tratando de calmar esa picazón infame. Además, el manco roncaba como una locomotora demente.
Me había propuesto aprovechar para releer Moby Dick, tal vez influido por el ambiente marino.
Sin embargo mis odios no pudieron acompañar al capitán Abab y a su enorme y blanca antagonista, sino que por fuerza de las circunstancias, se centraron en mis diminutos tormentos supuestamente colorados. Así y todo, no podía menos que pensar en lo que había pasado en esa isla.
El voluminoso aparato sanitario establecido desde mediados del siglo XIX, destinado a contener el posible contagio de cólera, viruela o fiebre amarilla que los barcos de los inmigrantes podían adquirir al tocar los puertos brasileños, resulta poco menos que incomprensible para la sensibilidad de fines del siglo XX.
Los viajeros provenientes de Europa eran desembarcados mediante pequeñas lanchas, en el muelle donde nosotros atracamos. Su equipaje era derivado al sistema de desinfección y ellos mismos clasificados según su estado sanitario, y enviados a las diversas etapas de cuarentena de que disponía el sistema.
Allí las familias eran a veces separadas, algunos de sus miembros jamás salían de la isla y otros lograban llegar al mundo nuevo que los esperaba. Lo siniestro ha seguido unido al destino de este lugar.

En los cincuenta, las estructuras todavía en buenas condiciones, fueron sugeridas como lugar adecuado para internar a los niños y jóvenes del entonces Consejo del Niño. Tal vez eso nos hubiera hecho además campeones del mundo de la crueldad.
En 1965, don Pedro Braga, funcionario de la antigua Junta de Sanidad, un personaje que vivió durante cuarenta años en la isla, hizo su último trabajo antes de jubilarse: acompañó las cuarenta y nueve urnas de anónimos viajeros hasta el cementerio donde ahora reposan.

EL DIA DESPUES
Han pasado muchos años entre aquel viaje y este relato. No quisiera volver nunca más a ese lugar. Desde mi imaginación y como en los afiebrados cuentos de Poe, siempre aparecen marismas pestilentes y horribles rincones donde reina una oscuridad maligna, indescifrable, imponente. Seguramente el pequeño borracho de Boston hubiese encontrado historias que contar sobre este lugar.
Tal vez yo también las encuentre. Pero ese es otro tema.

Rodolfo Fuentes

Materiales adicionales
LA ROCA

Desde el extremo del muelle de piedra semiderruído, se perciben, alentadoramente cercanas las luces de Montevideo, las zonas arboladas, los más altos edificios. Esa ilusión de cercanía, se desvanece contra las aguas del estuario, cuyos peligrosos bancos de arena y formaciones rocosas han convertido a esta isla en lugar de reclusión durante varios períodos de nuestra historia.
El confinamiento de presos políticos durante el período de la dictadura de Gabriel Terra, es el que ha quedado grabado en la memoria de la gente. Esa época turbulenta donde los odios y manejos agitaban las aguas políticas, fue el escenario de la primera “embestida baguala” invocada por Herrera, del intento de asesinado del Dr. Demicheli por parte del Dr. Francisco Ghigliani, el suicido de Baltasar Brum y de excesos y torturas desde el régimen hacia sus adversarios de todos los colores. A partir de 1933, el político Julio César Grauert, luego muerto en un enfrentamiento con las fuerzas del régimen, el periodista y político Ismael Cortinas y muchos otros enemigos políticos del dictador fueron confinados en ese lugar. Sus penurias y reivindicaciones se expresaron a través de panfletos firmados “Los confinados de la Isla de Flores”: “Para mejor instruir el proceso instaurado, ante la historia, contra este régimen de violencia, de subversión y de rapiña, no para acreditar sacrificios personales, los confinados en este peñasco inhóspito, queremos documentar, por la expresión estricta de la verdad, el estado humillante de privaciones y vejámenes a que se nos somete, coercitivamente, con irritante escarnio de los más esenciales y preceptivos sentimientos de humanidad”
Antes, fueron recluídos allí, opositores de turno en la guerra civil de 1904, una pandilla de tratantes de blancas, el famoso anarquista internacional Simón Radowitsky, que tambien pasara por la conocida cárcel de Usuahia en la época de Uriburu, 70 presos encausados y en 1931, 30 penados.
En los cincuenta, las estructuras todavía en buenas condiciones, fueron sugeridas como lugar adecuado para internar a los niños y jóvenes del entonces Consejo del Niño. Tal vez eso nos hubiera hecho además campeones del mundo de la crueldad.
Todos estos datos, necesariamente incompletos y a la espera de mayores investigaciones, se unen a la posible presencia de marineros alemanes del Tacoma, algunos sindicalistas en los albores de la dictadura militar del 73 y mas acá en el tiempo, un número indeterminado de “desaparecidos” de esa misma dictadura, situados en ese lugar de triste memoria por declaraciones de miembros de las fuerzas armadas.

(1)Patrick John Buffe
Periodista y fotógrafo suizo,
corresponsal de medios europeos
que estuviera radicado
en nuestro país hasta
el año 1997.

(2) CelestinoCUNEO
Capellán de Isla de Flores
LA ISLA DE FLORES,
Reseña histórico-administrativa,
Montevideo, 1900,
segunda edición corregida
y aumentada 1944.

ISLA DE FLORES (Datos naúticos)Se encuentra al SE de Montevideo, dista 6 millas de la costa de Carrasco. Tiene una extensión de 1700 m en dirección SW a NE, con un ancho máximo de 370 m. Es de naturaleza pedregosa y en realidad la forman tres islas; la del NE, de 13 m de altura, está unida al resto por un arrecife que descubre en bajamar; la del SW y la del centro parecen ser una sola por la restinga que las une y por un terraplén construido entre ellas, pero quedan separadas en pleamar.
En el extremo SW de la isla, que es la parte más alta, hay un Faro construido en 1828, se trata de una edificación típicamente Lusitana de principios del siglo XIX. En 1817 el hecho de haber naufragado la Zumaca “Juana” y posteriormente la “Piñao” con más de 50 personas abordo, dio lugar a promover la construcción de dicho faro cuya linterna fue encendida el 1 de Enero de 1828. Tiene las siguientes características: B. Des. (2) c/16s 37m (17,2) Ms. Siendo su posición Lat. 34º 56,750 S Long. 55º 55,930’ W.

Publicado en El Cultural de El Pais, en 1996, bastante antes de que la isla se pusiera de moda.

2009-01-30T10:10:00.000-08:00

Robert Mapplethorpe

Album de fotos de un chico católico

Tal como en un grafismo muy conceptualizado, un círculo gris se inserta en un cuadrado. Dentro de este, la figura de un hombre negro desnudo va adoptando diversas poses, encadenado a la rígida forma como un Prometeo de la actualidad. La serie de fotografías se denomina “Thomas” y es de 1987. El autor, se llamaba Robert Mapplethorpe.

La creación artística -al fin y al cabo, sensibilidad tamizada por la técnica para generar íconos perceptivos- jamás se muestra separada de los mundos más profundos del artista, de su “ser” humano. Mundos que deleitan y asustan, fisgoneados y censurados al mismo tiempo, conforman los cieloinfiernos que vemos y exhibimos cuando plasmamos imágenes. Desde el invento mismo de la técnica, se han destacado cultores del voyeurismo-exhibicionismo que significa el ser fotógrafo. Recordemos al Reverendo Charles Lutwidge Dogson (Lewis Carroll), cuya afición a las niñitas prepúberes se mostraba en la compulsión a fotografiarlas -luego de seducirlas con sus maravillosas historias de “nosense”, como Alicia en el País de las Maravillas- vestidas o preferentemente desnudas, totalmente a contrapelo del entorno victoriano que le tocó vivir.

Podría pensarse que, más cerca de nuestros días, en la Nueva York de mediados y finales de los años setenta, existía el espacio propicio para que las imágenes corrieran por los pasillos del Chelsea Hotel sin hacerse mucho problema por la opción sexual de quien las hiciera o protagonizara. Sin embargo aun en la corte de Warhol y los sobrevivientes de la revolución hippie, las imágenes de la comunidad gay, penes y ropajes sadomasoquistas de cuero pergeñadas por Robert Mapplethorpe, sacudieron los estratos conservadores (y los otros) de la socidedad americana, trayendo a las galerías de arte, imágenes propias de la pornografía más dura.

Continuador a su manera del trabajo de Edward Weston (fotográfica y socialmente un“outsider”), R. M. es indivisiblemente fotógrafobjetosexual, un “insider” paseando su mirada por curvas y abismos, por negros, blancos y grises, demorándose en examinar minuciosamente, rescatando brillos de cuero y metal, contraponiendo voluptuosidades a rígidas estructuras, recreando cruxificiones, buscando tal vez, exorcisar los rígidos conceptos católicos de un muchacho que “iba todos los domingos a la iglesia”.

Su fotografía es un estudio del espacio donde el sexo se mezcla con la sensualidad, el erotismo roza generosamente los bordes de la pornografía y la cámara funciona como una revelación del yo más íntimo del fotógrafo.

No se puede dejar de sentir que “algo pasa”. Sean flores o sexos masculinos en erección, desnudos femeninos o masculinos, retratos, autoretratos o escenificaciones de diverso tipo, el despojamiento de su fotografía, donde la luz modela, acaricia y refuerza calidades, donde una ascética composición conduce esa busqueda del “Momento Perfecto”, muy diferente por cierto del “Momento Decisivo” de Cartier Bresson, ya que la organización de los elementos de la imagen no obedecen a las leyes clásicas de la composición y su relación casi divina con el transcurrir del tiempo sino a una percepción manifiestamente visceral del “now is the time”.

R.M. llevó hacia los extremos ese mostrar-se, protagonizando muchas de sus imágenes, o por lo menos haciéndonos “voyeurs” de su círculo de ceremonias secretas, tan explícito y terrible como nuestra capacidad de comprensión -cuando no de complicidad- nos lo permita.

La exploración de sus profundidades sensoriales en un entorno tecnicamente muy tradicional, formalmente clásico, produce la impresion de una especie de perverso album familiar, donde lo mostrable no se detiene en lo público, situándose en los límites al decir “para mi el sexo es uno de los más elevados actos artísticos”.

Las puertas de la percepción son abiertas por múltiples llaves. Tantas como personas y opciones de vida existen . Al igual que Diane Arbus fotografiaba monstruos para sentirse normal o Weegee reclamaba un lugar visible para lo sórdido, Mapplethorpe nos conduce por el filo del mirar-mostrarse, tal vez para recordarnos que sus imágenes están ahí porque los griegos, los romanos o el Marques de Sade no tuvieron la oportunidad de tener un fotógrafo en sus rituales de humanidad.

Rodolfo Fuentes

Este pequeño artículo fue publicado hace algunos años en "El Cultural de El País" (obviamente en otras épocas). La foto fuera de texto pertenece a mi exposición de 1986 "Ex-posición"

Desde la revista Dossier

2009-01-30T09:10:00.000-08:00

Mirar sobre los otros.
Entrevista a Ignacio Naon

…Y pude ver cómo la foto se construía en lo que yo procuraba decir. La encontré emotiva y descubrí que era difícil fotografiar a través de mis lágrimas. Sin embargo, hice la fotografía….
Eugene Smith (1918-1978)

El libro.

Al editar un libro de fotografías se pueden tener diversos objetivos: lograr un objeto gráfico en si mismo, un catálogo de la producción del fotógrafo del caso, un souvenir para turistas o en lo general, un proyecto de comunicación-información sobre un determinado tema.

Otro Montevideo El otro (Ediciones B, Montevideo, 2006) sobrevuela todas esas opciones: asume formalmente el carácter de objeto gráfico, pero al mismo tiempo se proclama álbum de recuerdos de diez años en la vida de Ignacio Naon, su autor. De paso, propone y pone en el mercado, una visión sobre un colectivo: la ciudad de Montevideo. Incluye textos escogidos por el autor de diversos escritores y músicos, uruguayos y argentinos.

¿Cómo dice?

Fotógrafo ¿por convicción, por necesidad, por diversión?

Naon_ No creo ser fotógrafo de raza, no soy fotógrafo desde el primer día de mi vida. Una serie de circunstancias fueron derivando y terminaron en que yo me dedicase a la fotografía, pero creo que puede llegar a ser una casualidad. Es claro que mi carrera iba hacia alguna línea de las artes visuales. Al final fue la fotografía.

Hablemos un poco de tus comienzos en la fotografía.

Tengo formación como diseñador grafico. Si bien no termine, hice buena parte de la carrera en la Universidad de Buenos Aires. Siempre tuve inclinación por el tema visual, de chico estudie dibujo de historietas y también hice algunos cursos de ilustración.
Todo eso derivó en que, viviendo en EEUU, en algún momento empecé a sacar fotos y cuando quise acordar estaba en Buenos Aires, había armado un estudio y estaba trabajando en fotografía para agencias de publicidad, habiendo pasado previamente por todo el escalafón: la fotografía de fiestas, casamientos, etc. Después vinieron los clientes directos, la fotografía institucional y en un momento una editorial argentina me contrata para hacer las fotos de un libro sobre las estancias del Uruguay. De alguna manera, esto me hizo especializarme en un rubro particular de la fotografía.

Cuales son tus influencias en el campo de lo visual, lo artístico en general, lo vivencial, lo humano.

Tuve la suerte de estudiar fotografía con muchos fotógrafos reconocidos. Pude darme cuenta de muchas cosas acerca de lo que es la fotografía y de lo que son los fotógrafos. Creo que hay fotógrafos artistas y hay fotógrafos dedicados a la fotografía en si. Me gusta Mapplethorpe, un autodidacta, que sin una formación formal en fotografía se convirtió en un artista. Admiro a los reporteros gráficos, como los hermanos Capa, me gusta mucho el trabajo de Avedon, es un innovador, un creador. También el trabajo de muchos argentinos, como Marcos Zimmermann, y Marcos López, que son mis referentes. Dentro de lo estrictamente artístico, Man Ray, cuyo trabajo me asombra.

La fotografía o el ser fotógrafo ¿puede aprenderse/enseñarse?

Creo que se puede, pero el docente fotógrafo, por mi experiencia carece de libertad para enseñar. Hay una parte teórica y técnica que es muy importante y es lo que se puede enseñar.
Después el docente tiene que tener una total libertad total mental para que pueda dejar hacer a su alumno, la fotografía podría ser como una búsqueda incesante entre la forma y el color.
La fotografía se puede enseñar y aprender pero lo primero a enseñar es a ser libre.

En el caso de los retratos ¿Cual es tu relación con el fotografiado?

Soy una persona a quien le cuesta bastante comunicase, podría decir que realmente no soy muy comunicativo. Eso a veces juega en contra y a veces a favor. Trato de hablar con la persona antes del trabajo y después me gusta que el retratado se retrate, me gusta que se sepa retratado y que el lo logre junto conmigo, no soy de llevar y llevar y hablar y buscar sino que me gusta la cosa más relajada y esperar que aparezca la cosa y… la cosa generalmente aparece.

Esa proclamada capacidad de una imagen dada de conmover con su propia existencia, ¿es propia solamente de la fotografía?

La capacidad de conmover es la clave de la fotografía. El tema es si toda la fotografía es capaz de conmover. Yo veo cantidad de fotógrafos y fotografías que son excelentes que tienen todo en lo técnico y sin embargo no conmueven. La fotografía que a mi me gusta es la que me conmueve

En la perspectiva del tiempo, que pasa ahora entre vos y tus imágenes cuando te enfrentas a ellas en soledad.

Un trabajo como el de este que libro es una labor de mucho tiempo y donde uno tiene la posibilidad de elegir. Generalmente me pasa que cuando veo algo terminado sé si está bien o esta mal, hasta puedo llegar a sentir si va a gustar, pero siempre le encuentro algo que podría haber estado mejor. Y es lo que trato de mejorar para la próxima vez.

Hoy en día los aspectos técnicos de la fotografía han pasado a un segundo plano ¿es eso determinante de que los fotógrafos capten/generen o creen mejores imágenes?

Estamos en un periodo de cambio total. Creo que nuestra misión como fotógrafos, es ser como últimos bastiones de la fotografía tradicional. No se que va a pasar, no se si todo va a dar una vuelta y a volver. Lo que se es que hoy la fotografía de alguna forma, se ha” bastardeado” con el tema de la digitalización de la imagen. Por un lado se puede haber “sublimado” la imagen como ente en si pero por otro lado la ha llevado a un lugar demasiado común, donde lograr una imagen es una cosa totalmente pasajera, cuando nosotros sacábamos con cámaras pocket, pero con rollo no era esa cosa ansiosa, uno esperaba, quería lograr algo con esa imagen. Si algo podemos enseñar nosotros es a tratar de que no se pierda la parte tradicional de la fotografía. Hoy en día no se puede formar un fotógrafo “digital”. Es esencial que ese fotógrafo sepa que es la fotografía y como funciona para eso poder trasladarlo a su trabajo. Para mi es fácil hacer fotografía digital porque sé como funciona la fotografía análoga y creo que es lo que no hay que perder. En ese sentido el Foto Club juega un papel fundamental. De otra manera se va a llegar a un estado banal de la fotografía y se va a transformar en algo aun más efímero, y más sin sentido que hoy día.

En este mismo campo ¿hay demasiados fotógrafos y demasiadas imágenes?

Hay muchos buenos fotógrafos y muchas imágenes también buenas. No se si hay demasiados, lo que si se es que tal vez vaya a haber demasiados, si seguimos por este camino.
En tus libros por lo general hay grandes cantidades de fotografías diferentes: paisajes, retratos, detalles. a la hora de editar ¿te es difícil decidir cual si y cual no? ¿confías esa tarea en manos de otro profesional?

Haciendo este tipo de trabajo donde uno junta y debe elegir entre muchas fotos también juega un papel muy importante el cómo uno muestra las fotos. El hecho de hacer un libro de fotografías, no solo talla cada imagen en si sino la manera como uno la muestra. Ese trabajo me gusta hacerlo yo mismo me parece vital editar el trabajo que hago, sobre todo si se trata de un libro. Cuando estas trabajando para un tercero, la cosa cambia por completo, muchas hay gente que decide cosas por vos y que muestra cosas de una forma que uno no lo haría y hay veces que esas cosas te gustan más que como uno lo hubiera planteado. En la edición también busco ese sentido de relacionar imágenes y que de repente te hagan pensar en algo o que te metan en algún viaje inesperado.

Ante un tema dado, ¿encaras el trabajo como una colección de fotos espontáneas que luego se verá como se editan, o las trabajas con el concepto unificador de “ensayo”, donde cada parte debe confluir hacia el resultado final.

Creo que es un poco de las dos cosas: un poco de “ vamos a ver que sale” y otro poco tratar que ese “a ver que sale” tenga un laburo previo que me permita estar satisfecho una vez que lo hago. Este mismo año trabajé en un libro sobre la presencia de los suizos en Uruguay. En la presentación de ese libro, uno de los presentadores, el historiador José Rilla -a quien yo no conocía-, dijo sobre mi trabajo algo que yo no sabía que hacía: “Ordenar la mirada para que uno pueda entender lo que está viendo”.

Cuando uno muestra o publica sus fotografías, hace participar al otro, al desconocido de lo que uno crea: ¿Cuál es la mayor “carga” que pensas que tu trabajo como fotógrafo debe reflejar?: Lo filosófico, lo ideológico, lo ético, lo artístico…? O tal vez nada de esto?

Las fotografías son como las canciones. Una vez que uno se ha decidido a mostrarlas, ya deja de importar un poco lo que uno piensa acerca de eso. A mi me gusta movilizar, sentir que la gente se moviliza cuando ve un trabajo mío, me gusta causar emoción, que alguien me diga que “esto me hace acordar a tal cosa o tal otra”, “esto tiene olor a tal cosa,” eso, me parece fantástico a la hora de mostrar, que a lo mejor no tiene absolutamente nada que ver con lo que yo pienso y por eso lo comparo con las canciones, cuando alguien le dice al autor “aquí vos quisiste decir tal y cual cosa” y el tipo dice “yo no quise decir eso, vos interpretá lo que quieras”. Ves y sentís, y esto es lo fundamental, que sientas. Me ha pasado con este libro de Montevideo, hay gente que lo ve así, hojeándolo rápidamente, lo cierra, te lo da y … muchas gracias, y no se le movió un pelo!

¿Por qué elegiste esa imagen para la tapa?

Me gustan mucho los retratos y me gusta identificar a los lugares con la gente y no con el paisaje o la arquitectura. Y este fue un caso específico. Yo hice un primer libro sobre Montevideo (Montevideo: Arte y Paisaje) y pensé que en ese trabajo iba a poder expresar mi sentido fotográfico y no pude hacerlo porque había otra gente que participaba del proyecto y si les proponía un retrato para la tapa, era utópico que lo aceptaran. Fijate que el libro sobre los suizos también tiene un retrato en la tapa. Creo que la gente junta todas las cosas que hay en un lugar y me parece la forma más directa de hablar de un lugar es a través de una cara, de una expresión.

¿Cómo es tu fotografiar, el hecho físico de estar para ver?

Ahí es donde sale la esencia de cómo uno interpreta la fotografía. A mi gusta ir a un lugar, poner un trípode y una cámara y puedo estar tres horas mirando por el visor, sin moverme y sacar la foto que quiero. A veces ocurre lo impensado y cuando ves la foto te encontrás con cosas que no esperabas.
Lo que siempre trato es que pase algo, sea la foto de un una mesa o de cien personas juntas…

…que la imagen narre una historia…

Eso, que la imagen narre una historia. A veces, la edición te ayuda, a que puedas hacerlo en más de una imagen, pero lo ideal es que cada imagen pueda narrar una historia.

¿Cuánto hay de tu mirada de argentino en éste Montevideo?

No necesariamente la visión que ilustro en este libro es la visión que yo tengo de Montevideo, digamos que es más una expresión de deseo que lo que realmente veo hoy por hoy y creo que el hecho de no ser montevideano me da una cierta libertad que es la esencia para poder hacer esto.
Esa libertad me permite ver cosas que tal vez alguien que viva acá no las ve.

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Hasta aquí la entrevista que fue publicada en el número cero de la revista Dossier. Todo lo que sigue, una visión personal sobre este libro de Naon, no fue publicado. El director de la revista me comunicó que no era la idea de la publicación hacer "crítica". Como me parece que redondea los conceptos, y tal vez aporte algo en lo que tiene que ver con lo técnico, aqui va.

Un libro, una ciudad (y su gente).

El mercado editorial uruguayo estaba bastante carente de libros gráficos sobre Uruguay, su gente, sus ciudades. A fines del pasado 2006 fueron editados varios ejemplares con esta temática. Son libros que por su porte y su precio sin duda apuntan a un mercado capaz de consumir objetos que van más allá de las postales de un lugar visitado o de un souvenir turístico.

Otro Montevideo El otro (Ediciones B, Montevideo, 2006), pone en éste mercado, la inevitablemente particular visión de un fotógrafo sobre un colectivo: la ciudad de Montevideo. Incluye textos escogidos por el autor de diversos escritores y músicos, uruguayos y argentinos.

En éste al igual que en sus otros varios libros, las fotografías de Naon ocupan el ámbito visual de cada página en forma contundente.

Espacios solitarios diurnos o nocturnos, uno o pocos personajes en diálogo con un entorno que siempre se impone, casi nunca multitudes, retratos formalmente intachables.

Como contrapartida, solo algunas de estas imágenes logran sacudirse lo gélido de su carácter de instante detenido, despegándose de su “profesionalismo” para destellar en facetas de un universo personal, de un autor. Pero, como relata Eugene Smith en el acápite de esta nota, esa es la parte difícil, el trascender lo instrumental para dejar la leve y cálida huella de la identidad, sobre lo intangible.

Se puede intuir que Naon está muy cerca de eso. Muestra y demuestra un largo camino recorrido, mucha experiencia e igual respeto y amor por su trabajo, por ese noble oficio de cazar imágenes esperando pacientemente, que decanten, que ocurran.

¿Cómo luce?

A estas alturas tecnológicas en la producción industrial de objetos editoriales, no hay razones para hacer especial hincapié en los rubros de pre-impresión, impresión, el papel y otros insumos de fabricación. Todos excelentes, como debe ser.
Aceptada esa excelencia formal del objeto Otro Montevideo El otro, el partido se juega en otras canchas, en las de la edición y el diseño gráfico como vehículos de lo comunicante.

La edición – esa delicada ingeniería que decide que va y que no, donde y de que tamaño- abarca la toma de partido en las líneas básicas de la puesta en página y por lo tanto la responsabilidad de cómo se “leerá” este libro de imágenes en particular. Esto es clave en un conjunto de más de ciento cincuenta fotos, donde la interacción es determinante.

En este aspecto, el orden de temas e imágenes no sigue una lógica visible y tal vez haya demasiadas fotos (¿faltó una edición mas afinada, mas “despiadada” con los afectos y compromisos particulares?) Asimismo aparecen algunas por lo menos cuestionables, como es el caso del sector en blanco y negro donde la calidad técnica y hasta los contenidos no parecen estar a la altura. Se nota la carencia de más fotos ubicadas dentro del espacio de la página con un recuadro y menos ocupando toda la página. También resulta chirriante la elección de determinados pares de imágenes (el faro de punta Carretas enfrentado a la torre de Antel, genera un extraño e inexistente espacio urbano).

Respecto al diseño, mas allá del aura “de lujo” que pueden aportar algunos "tics" gráficos como los barnices sectorizados y las páginas en papel vegetal, hay recursos de puesta en página que distraen innecesariamente, sobreponiendo el diseño al contenido. El recurso de poner en página impar y sobre un fondo “fuera de foco” de colores fuertes los títulos de las fotos que están en la página par enfrentada, formalismo que se repite varias veces, no aporta nada al libro, en realidad lo recarga.

Hay decisiones sobre el tamaño de algunas fotos que no son las más acertadas y evidencian la ausencia de pruebas de todo el material y su cuidadoso análisis antes de ser definidamente impreso. Los recursos de edición informática al servicio del diseño gráfico si bien facilitan enormemente la tarea, tienen en contra la inmaterialidad del estar manipulando las imágenes en la pantalla de un computador y la imposibilidad de ver y tocar como funciona el objeto diseñado en sus dimensiones reales.

¿Qué mira?

Cuando un fotógrafo expone o publica su trabajo no solo muestra el resultado de su forma de mirar, sino que al buscar la complicidad en la mirada del espectador, de alguna manera, mira por el.

La mirada de Ignacio Naon, extranjera, pero cercana y habitante de la ciudad que lo cobija y lo asombra, y sus acentos sobre algunos personajes, lugares o situaciones, pueden resultar al mismo tiempo certeras y exóticos para los “otros” montevideanos.

Esto se percibe desde lo exterior, desde el primer contacto con el libro cerrado, con su cubierta. La enigmática figura del negro carnavalero, sus verdes y brillantes vestiduras, son para el autor, y en su elección así lo afirma, definitivamente, Montevideo.

Para el turista que compre el libro como souvenir, probablemente todo este asunto no revista la más mínima importancia. Pero el montevideano que lo relojea en la vidriera de la librería, tal vez se encuentre sumergido en un extrañamiento de su propia identidad, en la medida en que lo efímero de ese personaje carnavalero representa un tiempo en que justamente, uno no es, sino que juega a ser otro.

Rodolfo Fuentes

Ignacio Naon
Entrevista 07/10/06 18hs.
Foto de Rodolfo Fuentes

Revista Dossier, número cero

2009-01-28T07:31:00.000-08:00

Rodolfo Fuentes, Marcelo Isarrualde, Mario Batista, Roberto Fernández, Alvaro Zinno y Gustavo Castagnello, 1987, en el estudio de Alvaro, durante las reuniones previas a la edición del calendario fotográfico de Industrias Fotográficas del Plata (TALBOT). Este mismo grupo hizo una experiencia de comercialización de fotografía en la Feria de Libros y Grabados en 1987 y 1988. Todos nosotros continuamos haciendo fotografía.